Category: tin tức nóng

Apple TV(SeaPRwire) - Thật sự là không thể — gần như hoang tưởng — khi không nghĩ về Orphan Black mỗi lần Tatiana Maslany đóng trong một chương trình truyền hình. Nữ diễn viên Canada này đã trình diễn một bài học đỉnh cao trong loạt phim mang tính bước ngoặt của BBC, thể hiện hàng chục bản sao gần giống hệt nhau nhưng khác biệt về cảm xúc một cách vô cùng dễ dàng. Màn trình diễn khủng khiếp đó không thể sao chép, bởi Maslany luôn tận tâm nâng tầm mọi vai diễn cô nhận. Vì vậy, không hẳn công bằng nếu bật lên xem, ví dụ như She-Hulk: Attorney at Law và mong đợi một trình độ điêu luyện tương tự. Sét không thể đánh hai lần!Tuy vậy, chúng ta thực sự tiến rất gần đến sự vĩ đại đó với Maximum Pleasure Guaranteed. Phim hình sự giật gân Apple TV này có nhiều điểm chung với Orphan Black, nếu chỉ vì — không giống hầu hết những gì xuất hiện trong những năm qua — nó biết chính xác phải làm gì với Maslany. Cũng không hại gì khi, thêm bớt một vài chi tiết, bộ phim theo sát những nhịp điệu tương tự câu chuyện đã định nghĩa sự nghiệp của cô. Maslany một lần nữa là một bà mẹ đơn thân đầy rắc rối chứng kiến một vụ giết người tàn bạo và vô tình lọt vào vòng xoáy âm mưu và bóc lột. Lần này, tuy vậy, cái chết mà cô vướng vào không phải của bản sao cô, mà là của một "cam-boy" đã lừa đảo cô trong nhiều tháng.Maximum Pleasure Guaranteed làm đúng một điều khi chọn Maslany vào vai Paula, một người phụ nữ bình thường chứa đựng quá nhiều bí mật đến nỗi cô ấy có lẽ đang đóng nhiều nhân vật giống hệt nhau. Vừa ly hôn, đang tranh giành quyền nuôi con gái, và cầu xin được tăng lương tại nơi làm việc, Paula có quá nhiều thứ phải phân chia. Chồng cũ của cô, Karl, có lẽ là phiên bản độc ác nhất của Jake Johnson: không chỉ bỏ Paula để đến với đồng nghiệp bảnh bao hơn, Mallory (Jessy Hodges), mà giờ anh ta còn làm mọi cách để giành quyền nuôi Hazel từ tay Paula. Khi không mắng nhiếc cô không ngừng vì những lựa chọn sống "thất thường" của cô (ám chỉ điều gì đó bí ẩn và đen tối xảy ra trong quá khứ của cô), thì cô cũng phải chịu những sự coi thường tương tự với tư cách là người kiểm tra chứng thực cho một tờ báo.Showrunner David Rosen chất chồng những sự sỉ nhục lên nhau, gợi nhớ đến những "nồi áp suất" gây bức bối khác như If I Had Legs I’d Kick You. Sự tồn tại của Paula gần như quá tàn nhẫn một cách hài hước: những buổi tối trò chuyện với một "cam-boy" tên Trevor (Brandon Flynn) là nguồn an ủi duy nhất của cô, cho đến khi Trevor bị đánh đập dã man và bắt cóc ngay trong một buổi như vậy. Khi Paula gọi cảnh sát, họ nói với cô rằng có lẽ cô đang bước vào giai đoạn hai của một vụ lừa đảo phức tạp, và rằng sớm thôi, Trevor sẽ gọi cho cô để cầu xin tiền chuộc. Cuộc gọi đó cuối cùng cũng đến, và không mất nhiều thời gian để những lời cầu xin tuyệt vọng của hắn trở nên sắc lạnh và săn mồi. Nếu cô không đưa 15.000 đô la, hắn sẽ phát tán những đoạn phim nhạy cảm mà hắn đã âm thầm ghi lại. Hắn sẽ chia sẻ nó với gia đình cô, gửi cho sếp cô. Hắn sẽ hủy hoại cuộc đời cô ngay khi cô đang xây dựng lại nó.Những pha giật gân đen tối trên mạng đối đầu với vụ án mạng sôi động trong Maximum Pleasure Guaranteed. | Apple TVĐiều thú vị về Paula là bản thân cô rất có năng lực (nhắc lại, một người kiểm tra chứng thực!) và không bằng lòng đầu hàng trước bất kỳ yêu cầu nào trong số này. Những khoảnh khắc hay nhất của Maximum Pleasure đến qua các cảnh montage điên cuồng, được điểm xuyết bằng nhạc nền synth rộn ràng và biên tập cho bộ não nghiện TikTok, khi Paula sử dụng mạng để điều tra về Trevor và, cuối cùng, tự vệ trước mạng lưới lừa đảo đang nhắm vào cô. Khả năng điều tra của cô, về cơ bản, là một lượt tìm kiếm Google kỹ lưỡng, nhưng nó hiệu quả với một người phụ nữ có quá ít nguồn lực. Bộ phim là một phim giật gân mạng biết rõ giới hạn của mình, và cách sử dụng một sản phẩm của Apple. Những chuỗi tin nhắn cuống cuồng và các đoạn ghi hình hạt lớn cung cấp thông tin và thắt chặt thêm căng thẳng, nhưng Rosen khôn ngoan khi bổ sung những pha hồi hộp đó bằng những mưu mô bằng xương bằng thịt.Khi Paula tìm được đến căn hộ của Trevor, cô sốc khi thấy thi thể bất động của hắn trong chính bồn tắm. Có một kẻ giết người đang lẩn trốn — có lẽ là một nạn nhân lừa đảo bất mãn khác đang tìm cách trả thù? — nhưng Paula không tránh khỏi trở thành nghi phạm số một trong vụ án. Đó là kịch tính hay, nhưng nó cũng rơi vào thói quen khó chịu nhất của Maximum Pleasure: nhu cầu luôn đẩy Paula vào thế bị động. Bộ phim liên tục nhắc nhở chúng ta rằng đó là Paula chống lại cả thế giới, nhưng nó làm vậy bằng cách lấp đầy thế giới đó bằng những nhân vật phụ ở các mức độ khó chịu khác nhau. Có Karl và Mallory liên tục gây trở ngại với những đề nghị hòa bình thụ động-gây hấn. Có những đồng nghiệp cực kỳ không vui tính của Paula (Kiarra Hamagami Goldberg và Charlie Hall), những người lãng phí nhiều thời gian để chỉ trích cuộc sống tồi tệ của Paula trước khi cuối cùng cũng bị cuốn vào âm mưu. Ngay cả viên thám tử ban đầu an ủi cô về việc bị lừa (Dolly de Leon tuyệt vời) cũng phải đối đầu với Paula một chút.Dàn diễn viên phụ của Maximum Pleasure là một tập hợp hỗn độn, nhưng Dolly de Leon là sự bổ sung hoàn hảo cho Maslany. | Apple TVLà một công cụ để đưa chúng ta về phía Paula, nó hiệu quả... chỉ là không hề tinh tế chút nào. Nó có thể biến Maximum Pleasure thành một trải nghiệm đầy bực bội; không có Maslany, nó sẽ không hiệu quả đến một nửa. May mắn thay, bộ phim biết khi nào thì trao dây cương cho cô và khi nào thì đẩy cô hoàn toàn ra khỏi đường ray. Ít nhất, bạn sẽ muốn tiếp tục xem — không chỉ để thưởng thức một bài học đỉnh cao khác từ nữ diễn viên, mà còn để xem Paula gỡ rối một tình huống kỳ quặc đến vậy.Maximum Pleasure Guaranteed ra mắt vào ngày 20 tháng 5 trên Apple TV+. Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Misty Mountains/Bloom/Silver/Kobal/Shutterstock(SeaPRwire) - Phim cult (phim đình đám trong một nhóm khán giả nhỏ): một thuật ngữ dùng để mô tả một tác phẩm truyền thông có lượng người hâm mộ cuồng nhiệt mặc dù không đạt được thành công vang dội về mặt thương mại. Tùy thuộc vào quan điểm của mỗi người, phim cult có thể bao gồm bất cứ thứ gì, từ một bộ phim thuộc thể loại gây tranh cãi hoặc đẫm máu, cho đến một tác phẩm thất bại về doanh thu từ một studio lớn. Điểm chung của những dự án này, bất kể phong cách hay cốt truyện ra sao, là chúng tạo được sự cộng hưởng với một nhóm khán giả đặc thù, khiến những tín đồ trung thành của chúng không ngừng ca ngợi sự xuất sắc của tác phẩm cho đến khi chúng nhận được sự công nhận xứng đáng nhiều năm sau đó.The Nice Guys đã thất bại tại phòng vé vào năm 2016, thu về khoảng 62 triệu USD sau khi kết thúc thời gian công chiếu với kinh phí sản xuất là 50 triệu USD. Kết quả thương mại này phần lớn được cho là do bộ phim ra mắt cùng cuối tuần với phim Angry Birds. Trong 10 năm kể từ đó, cả giới phê bình lẫn người hâm mộ đều bày tỏ sự tiếc nuối về những phần tiếp theo tiềm năng mà bộ phim hài hành động này có thể đã có nếu nhận được nhiều sự chú ý hơn. Cho đến tận ngày nay, dàn diễn viên và đoàn làm phim vẫn thường xuyên được hỏi về khả năng thực hiện phần tiếp theo trong các cuộc phỏng vấn.Những "gã tử tế" trong tiêu đề chính là các ngôi sao Russell Crowe và Ryan Gosling, lần lượt vào vai sát thủ Jackson Healy và thám tử tư Holland March. Tại Los Angeles năm 1977, bộ đôi "không hẳn là cảnh sát" này đã hợp tác với nhau khi cuộc điều tra về cái chết của một nữ diễn viên phim người lớn trùng hợp với sự mất tích của một cô gái tuổi teen tên là Amelia (Margaret Qualley). Khi cả hai cố gắng tìm kiếm Amelia, những tình huống dở khóc dở cười liên tiếp xảy ra và một âm mưu sâu xa hơn dần lộ diện.Dễ hiểu tại sao những người hâm mộ cuồng nhiệt của bộ phim này lại cảm thấy bất bình. Sự kết hợp mang tính nhại lại giữa thể loại noir (phim đen) với hài kịch slapstick (hài hình thể) là một trong những dấu ấn của biên kịch kiêm đạo diễn Shane Black. Những bộ phim trước đó như Kiss Kiss Bang Bang đã chứng minh ông là một bậc thầy trong việc xây dựng những bí ẩn đầy ám muội với những lời thoại dí dỏm, và Crowe cùng Gosling đã thể hiện trọn vẹn tầm nhìn của ông thông qua những màn trình diễn đầy lôi cuốn. Healy là một cựu binh dày dạn kinh nghiệm nhưng đầy hoài nghi, đối lập với March, một kẻ thất nghiệp nhanh nhẹn nhưng vụng về. Với những trải nghiệm chung về các cuộc hôn nhân đổ vỡ và khó khăn trong việc kiểm soát chứng nghiện rượu, mối quan hệ của họ trở nên giống như một cặp đôi hay cãi vã. Điều này càng được nhấn mạnh bởi sự năng động trong việc cùng nuôi dạy con gái của March là Holly (Angourie Rice), cô bé luôn đi theo họ trong các cuộc điều tra bất chấp sự phản đối của cả hai.Điều khiến bộ phim này thực sự khó quên đối với nhiều người chính là màn trình diễn hài hước cả về lời thoại lẫn hình thể của Ryan Gosling trong vai Holland March. Cứ như thể anh sinh ra là để bị đánh đập và lăn lộn trên đồi, và lời thoại của March đặc biệt chứa đầy những câu nói đáng nhớ. Nhân vật này đã giúp khẳng định Gosling như một diễn viên hài đáng chú ý, một phong cách mà anh đã rất tận hưởng kể từ đó.Có lẽ chúng ta sẽ không bao giờ có phần tiếp theo của The Nice Guys. Và có lẽ điều đó cũng không sao. | Misty Mountains/Bloom/Silver/Kobal/ShutterstockViệc bộ phim này không bao giờ có phần tiếp theo bất chấp sức hút của nó vẫn là một nỗi đau đối với nhiều người, và rõ ràng là hệ sinh thái điện ảnh hiện tại của chúng ta đã làm nỗi đau đó tăng thêm. Sự ám ảnh của giới mộ điệu hiện đại đối với thành công phòng vé và việc nhượng quyền thương mại là điều dễ hiểu. Hollywood hiện đang trong thời kỳ đầy bất ổn, khi ngành công nghiệp này vẫn đang phục hồi sau các cuộc đình công của biên kịch và các đợt đóng cửa, trong khi các vụ sáp nhập khổng lồ đang đe dọa làm đảo lộn bất kỳ sự ổn định nào có thể tìm thấy. Với môi trường kinh tế này, các studio ưu tiên sự an toàn tài chính của các tài sản trí tuệ đã được thiết lập, khiến người hâm mộ phải lo lắng về các dự báo phòng vé, vì một tác giả có tuần mở màn kém cỏi giống như dấu chấm hết cho việc một studio sẽ tài trợ cho một dự án như vậy lần nữa.Nhưng điều đó đã hạn chế trí tưởng tượng của chúng ta. Giờ đây, chúng ta lý tưởng hóa một thế giới nơi những bộ phim "hay" được chuyển thành tài sản trí tuệ thay vì những bộ phim "tệ", và hy vọng rằng điều này có thể ngăn điện ảnh trở nên rác rưởi. "Giá như chúng ta sống trong dòng thời gian mà The Nice Guys có ba phần phim thay vì Angry Birds." Đó là một suy nghĩ hấp dẫn, nhưng cuối cùng lại là một suy nghĩ ngây thơ. Thực tế là sự ám ảnh với việc mở rộng nhượng quyền thương mại này chính là thứ khiến các bộ phim dễ trở thành rác rưởi ngay từ đầu; khi các nghệ sĩ giờ đây phải phụ thuộc vào những gì đã có trước đó, cùng với gánh nặng của những kỳ vọng (về tài chính và các khía cạnh khác) đi kèm với nó.The Nice Guys vẫn tiếp tục gây tiếng vang trong văn hóa của chúng ta 10 năm sau đó, điều này chứng minh rằng nó không cần một phần tiếp theo để trở nên quan trọng. DNA của nó có thể được nhìn thấy trong các bộ phim thám tử hài hước được thực hiện kể từ đó, chẳng hạn như các dự án solo gần đây của Ethan Coen và loạt phim Knives Out. Chúng ta cũng sẽ không có những nhân vật hài hước mới nhất của Ryan Gosling nếu không có màn trình diễn của anh ở đây. Có những điểm tương đồng rõ ràng giữa cách anh đóng vai Holland March và Dr. Ryland Grace trong Project Hail Mary, cả hai đều là những cá nhân ích kỷ nhưng có chuyên môn rõ ràng trong lĩnh vực của họ trong khi vươn lên đối mặt với những thách thức phía trước. Màn trình diễn của anh trong vai Ken trong Barbie cũng chứa đựng những nét của March trong sự cam kết hoàn toàn với việc đóng vai một gã hề. Có những "gã tử tế" ở khắp mọi nơi đối với những ai có đôi mắt để nhìn thấy.Khi một câu chuyện gốc khiến chúng ta phấn khích, mong muốn của chúng ta không nên hướng tới việc biến nó thành vũ trụ Marvel tiếp theo. Dù sẽ rất thú vị khi thấy cặp đôi này giải quyết một vụ án khác, nhưng vị thế cult và tác động lâu dài của bộ phim này nên làm tăng sự thèm muốn của chúng ta đối với việc tạo ra nhiều câu chuyện gốc hơn thay vì khiến chúng ta bám víu vào sự hoài niệm. Một di sản như vậy có ý nghĩa hơn bất kỳ số lượng phần tiếp theo nào mà nó có thể có.The Nice Guys hiện có sẵn để thuê trên Prime Video và các nền tảng kỹ thuật số khác.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Warner Bros. Games(SeaPRwire) - Chỉ một số ít nhân vật hư cấu có được sự trường tồn trên màn ảnh: đó là Dracula, James Bond, và sau đó là Batman, một người mới đến tương đối trong nhóm này. Theo thống kê của chúng tôi, Dark Knight đã đóng vai chính trong 11 tác phẩm live-action, cộng với nhiều cuộc phiêu lưu hoạt hình của anh ấy, nhiều nhất trong số các đồng nghiệp siêu anh hùng của mình. Anh ấy chắc chắn là siêu anh hùng được chuyển thể nhiều nhất từ "Big Two" (DC và Marvel), và có lẽ là nhân vật điện ảnh Mỹ dễ nhận biết nhất mọi thời đại.Những bộ phim đó đã trải dài toàn bộ các cung bậc về tông màu và bầu không khí, từ sự phi lý được nâng cao của bộ phim kinh điển đình đám Batman: The Movie của Adam West đến bí ẩn về kẻ giết người hàng loạt mang màu sắc noir của The Batman. Một phần sự xuất sắc của Batman với tư cách là một nhân vật chính là bản chất dễ uốn nắn của anh ấy, điều mà cả truyện tranh và phim ảnh đều đã khai thác. Giờ đây, một trò chơi đang tôn vinh chính khía cạnh đó của nhân vật, và nó thực hiện điều đó bằng cách tôn vinh lịch sử lâu đời và đầy ấn tượng của anh ấy trên màn ảnh rộng.Lego Batman: Legacy of the Dark Knight là trò chơi Lego gần đây nhất, cũng như là trò chơi điện tử Batman gần đây nhất sau Arkham Knight. Không giống như các trò chơi Lego Batman trước đây vốn có cốt truyện gốc, Legacy of the Dark Knight là một tuyển tập kết hợp các cốt truyện và dấu ấn từ mọi bộ phim Batman để tạo nên một sự tôn vinh trọn vẹn cho những cuộc phiêu lưu trên màn ảnh của nhân vật này. Từ việc chiến đấu với Joker của Nicholson trong kỷ nguyên Keaton đến việc sống lại quá trình huấn luyện của Bruce Wayne với League of Shadows trong Batman Begins, trò chơi đã thực hiện một công việc toàn diện trong việc tái tạo một số khoảnh khắc mang tính biểu tượng nhất từ lịch sử điện ảnh Batman.Trò chơi không chỉ được thiết kế cho những người hâm mộ Batman cuồng nhiệt mà còn gây tiếng vang với cả các game thủ. Steve Watts tại GameSpot đã mô tả đây là “trò chơi Lego thú vị nhất kể từ năm 2005”, và Bruno Galvão tại Eurogamer cho biết đây “không chỉ là một trong những trò chơi Lego Batman hay nhất – mà còn là một trong những trò chơi Batman hay nhất và là một trong những trò chơi Lego hay nhất.”Điểm khen ngợi lớn nhất trong hầu hết các bài đánh giá về Legacy of the Dark Knight là sự trung thành của trò chơi đối với thương hiệu Batman trên màn ảnh, với Julián Ramirez của GamerFocus gọi đây là “một bức thư tình gửi đến lịch sử Batman”. Trò chơi không chỉ đưa vào những dấu ấn rõ ràng từ các bộ phim live-action, mà còn kết hợp với các câu chuyện từ phim hoạt hình, truyện tranh (với các nhân vật như Sofia Falcone xuất hiện) và các trò chơi Arkham được yêu thích. Gaming Boulevard đề cập rằng trò chơi “mang tinh thần của các trò chơi Arkham vào vũ trụ Lego”, chỉ ra rằng một phần sự hài hước nằm ở việc châm biếm cách tiếp cận u ám, gai góc của vũ trụ Arkham đối với nhân vật này.Đó sẽ là một nỗ lực phi thường trong bất kỳ bối cảnh nào khác, nhưng Vũ trụ Lego là nơi hoàn hảo để kết hợp hai cách diễn giải khác biệt như của Burton và Nolan. | Warner Bros. GamesĐã có vô số bộ phim Batman, nhiều trò chơi Batman và đặc biệt là hai trò chơi Lego Batman, nhưng Legacy of the Dark Knight là sản phẩm đầu tiên kết hợp tất cả chúng thành một đỉnh cao đầy đam mê của mọi lần xuất hiện đa phương tiện của Batman. Điều này hoàn toàn hợp lý khi xét đến việc trong số rất nhiều tài sản trí tuệ mà Lego đã chuyển thể thành trò chơi, Batman có thể nói là linh hoạt nhất trên các phương tiện truyền thông khác nhau — Indiana Jones, Harry Potter và thậm chí cả Star Wars đều chủ yếu tập trung vào thẩm mỹ và cách kể chuyện của các phiên bản điện ảnh.Điều này nói lên khả năng thích ứng của Dark Knight với tư cách là một nhân vật khi một trò chơi duy nhất có thể kết hợp rất nhiều hóa thân khác nhau của một nguyên mẫu anh hùng, đồng thời bày tỏ lòng kính trọng đối với từng hóa thân đó một cách đầy ý nghĩa, bởi vì có rất ít nhân vật truyện tranh có thể tự hào về việc đạt được thành công như Batman bên ngoài phương tiện mà anh ấy được tạo ra.Lego Batman: Legacy of the Dark Knight hiện đã có mặt trên Xbox Series X/S, PlayStation 5 và PC.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Sony Pictures Releasing(SeaPRwire) - Một nhà giám tịch bị thương lảo đảo qua lối đi của Bảo tàng Louvre, bị một kẻ tấn công có vũ trang truy đuổi. Ông dùng những phút giây cuối cùng để để lại một loạt các biểu tượng mật mã, chữ mật và con số gần xác mình và giấu trong các bức tranh. Với giáo sư phê tâm linh Robert Langdon (Tom Hanks) nhanh chóng bị xác định là nghi phạm chính sau khi tên của ông xuất hiện trong các manh mối, Langdon và cháu gái của người đàn ông bị sát hại, nhà mật mã học Sophie Neveu (Audrey Tautou), phải hành động nhanh chóng để không chỉ tìm ra hung thủ thực sự và minh oan cho Langdon, mà còn phải vạch trần một âm mưu lớn hơn nhiều liên quan đến vụ án.Dựa trên cuốn tiểu thuyết gây tranh cãi năm 2003 cùng tên của Dan Brown — một trong những cuốn tiểu thuyết Mỹ bán chạy nhất mọi thời đại — The Da Vinci Code đưa khán giả theo chân Robert và Sophie trong hành trình giải mã các câu đố, truy đuổi những manh mối sai lệch và bị những người bạn cũ phản bội. Đang dần sát lại phía sau họ là cảnh sát, cũng như một tổ chức bí ẩn kiên quyết muốn đảm bảo rằng bất kỳ bằng chứng nào về một bí mật kéo dài 2.000 năm và vụ che đậy sau đó đều bị xóa sổ cùng họ. Cuộc tìm kiếm của Robert và Sophie diễn ra như một cuộc truy tìm Thánh Giá trong thời đại hiện đại, nhưng lần này, vật mâu dịch điện ảnh không còn là một vật thể, mà là một con người. Họ đang tìm kiếm người con cái theo dõi được cho là của Chúa Jesus Christ, sinh ra từ cuộc hôn nhân bí mật theo tưởng tượng của ông với nữ sùng đạo Mary Magdalene. Bạn đã hứng thú? Hay thấy bàng hoàng? Với phiên bản 4K UHD Steelbook giới hạn mới ra mắt, đây chính là thời điểm lý tưởng để khám phá những bí ẩn của The Da Vinci Code.Bộ phim The Da Vinci Code đã nhận được phản ứng như thế nào khi ra mắt lần đầu?Với sự phản đối dữ dội, đặc biệt từ Giáo hội Công giáo. Giả thiết gây sốc, những suy đoán hoang đường về cuộc đời của Chúa Jesus, và những cách diễn đạt bị xem là tấn công vào giáo hội đã khiến bộ phim bị cấm ở một số quốc gia, bao gồm Ai Cập, Syria, Iran, Lebanon và Pakistan, bị tẩy chay ở những nơi khác với cáo buộc "tà giáo", và chỉ được phát hành kèm theo tuyên bố tại Ấn Độ và Thái Lan mô tả nó là một tác phẩm hư cấu.Tuy nhiên, những đánh giá gọi The Da Vinci Code là "một dự án khó chịu", "một sự thất vọng sâu sắc", và "một thứ chán nản, u ám" lại vẽ ra bức tranh của một bộ phim khá nhạt nhẽo so với cơn bão tranh cãi xung quanh lúc ra mắt. Khi công chiếu tại Liên hoan Phim Cannes chỉ hai ngày trước khi ra mắt chính thức trên màn ảnh rộng, bộ phim đã nhận được "sự lãnh đạm... và một chút tiếng cười chế nhạo".Tuy vậy, bộ phim vẫn thành công về mặt thương mại, thu về 760 triệu USD trên toàn cầu với ngân sách 125 triệu USD. Trong khi đó, bộ phim không chỉ giúp sự nghiệp của đạo diễn Ron Howard phát triển mạnh mẽ, trở thành bộ phim có doanh thu cao nhất từ trước đến nay của ông và dẫn dắt ông đến với hai phần tiếp theo — Angels & Demons (2009) và Inferno (2016) — thì ít nhất một nhà phê bình lại cho rằng nó không làm mất đi vẻ huy hoàng của Công giáo. Theo Anthony Lane, "những lời lẽ tầm thường, làm giảm đi tinh thần" của bộ phim "hoàn toàn không thể khiến một thành viên nào trong giới tín đồ dám bỏ đi niềm tin".Dù Tom Hanks có quyến rũ đến đâu. | Sony Pictures ReleasingTại sao bây giờ bạn nên xem The Da Vinci Code?Vâng, bộ phim thực sự khá thú vị. Điều then chốt để tận hưởng bộ phim hồi hộp này là tiếp cận nó với tư duy mà chính Hanks đã đề xuất, sau khi lưu ý rằng mọi người đang đánh giá quá cao về mặt trí tuệ cho một bộ phim cuối cùng lại "đầy ắp những thứ hão huyền và vui nhộn... như một trò săn tìm kho báu". The Da Vinci Code là một trò chơi giải đố mang tính cấp bách, trong đó nhân vật chính của Hanks tại một thời điểm then chốt đã khẩn trương tuyên bố: "Tôi cần đến thư viện ngay!"Bất kỳ cuộc tranh luận giải thích nào về thần học đều xen lẫn với những tổ chức bí ẩn mờ ảo, những vụ rượt đuổi xe cỡ nòng qua Paris, và một tu sĩ da trắng thực hiện các vụ ám sát. Dù chứa đựng những ý tưởng ngắn gọn đáng suy ngẫm về việc che đậy của các tổ chức quyền lực, những tội ác gây ra nhân danh tôn giáo, và loại niềm tin vào một thế lực siêu nhiên đủ mạnh để thúc đẩy bạn giết chết đồng loài của mình để bảo vệ nó, thì tình tiết âm mưu của bộ phim vẫn mang tính nhẹ nhàng, dễ hiểu hơn nhiều so với thời đại hiện nay đầy rẫy các chiến dịch đồn đoán trên mạng xã hội, hồ sơ bị kiểm duyệt nổi bật, và vô vàn các âm mưu chính trị.Hãy cẩn thận với những tu sĩ xấu xa. | Sony Pictures ReleasingPhiên bản 4K Ultra HD Blu-ray mới có những tính năng gì?Được Sony Pictures Home Entertainment phát hành nhân dịp lễ kỷ niệm 20 năm của bộ phim, bộ Steelbook phiên bản giới hạn ba đĩa này bao gồm cả phiên bản rạp chiếu dài 148 phút và phiên bản dài mở rộng 174 phút, đều ở độ phân giải 4K với Dolby Vision, âm thanh tiếng Anh Dolby Atmos và âm thanh tiếng Anh 5.1. Các tính năng khác bao gồm:Launching a Legacy: Một đoạn phim tài liệuTrailer quảng cáo và trailer rạp chiếu của bộ phimBình luận của đạo diễn Ron Howard cho một số cảnh17 đoạn phim tài liệu về quá trình sản xuấtThe Da Vinci Code: 20th Anniversary UHD SteelbookAmazon - Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Warner Bros.(SeaPRwire) - Một thương hiệu hoạt hình đúng đắn có thể đạt được danh tiếng toàn cầu. Giống như Monkey D. Luffy và Bluey đang “chiếm lĩnh” nước Mỹ, bạn có thể tìm thấy đồ lưu niệm Simpsons ở bất cứ đâu trên thế giới. Thậm chí còn có một bảo tàng Snoopy tại Nhật Bản. Vì vậy, giống như những biến thể trong Spider-Verse, các nhân vật hoạt hình thường xuyên thay đổi hình thức để thu hút một đối tượng khán giả mới. One Piece, chẳng hạn, đã tìm thấy sức hút mới nhờ bản làm lại live-action. Giờ đây, một trong những thương hiệu hoạt hình lâu đời nhất đang được “lột xác” quốc tế thông qua một cuộc phiêu lưu hoạt hình được xây dựng dựa trên một hình thức nghệ thuật hoàn toàn mới. Hình ảnh đầu tiên của phiên bản hoạt hình spinoff từ Tubi, Yokoso Scooby-Doo! | TubiTheo Variety, nền tảng phát trực tuyến miễn phí có hỗ trợ quảng cáo Tubi đã giành được quyền phát sóng Yokoso Scooby-Doo! (dịch: Chào mừng, Scooby-Doo!), loạt phim hoạt hình Scooby-Doo đầu tiên theo phong cách anime. Đặc biệt hơn nữa, loạt phim này sẽ có sự góp giọng của Frank Welker và Matthew Lillard – hai diễn viên từng tham gia trong bộ phim live-action Scooby-Doo năm 2002. Welker đã gắn bó với thương hiệu từ những ngày đầu với vai Fred nguyên bản, trong khi bạn có thể nhận ra Lillard qua những vai diễn gần đây trong Daredevil: Born Again hay Scream 7.)Giống như nhiều spinoff của Scooby-Doo khác, Yokoso Scooby-Doo! chỉ có Shaggy và Scooby làm nhân vật chính, không có sự xuất hiện của Fred, Daphne và Velma. Tóm tắt nội dung phim như sau: “Trong khi du lịch Nhật Bản cho một chuyến phiêu lưu ẩm thực tuyệt đỉnh, Scooby-Doo và Shaggy vô tình đánh thức hàng trăm quái vật thần thoại đang gây rắc rối trên khắp cả nước. Với sự trợ giúp của chú chó Daisuke-Doo cùng những người bạn mới – cô nàng pháp sư Yume và chuyên gia công nghệ Takumi – nhóm bạn bước vào một bí ẩn hoàn toàn mới, đầy rẫy những cuộc rượt đuổi quái vật và những hỗn loạn vui nhộn.” Đúng vậy, Scooby có một chú chó tên Daisuke-Doo sống tại Nhật Bản. Chú chó này được cho là chú của Scooby do quan hệ hôn nhân, bởi nó là một giống Shiba Inu thay vì Great Dane. Matthew Lillard, người từng thủ vai Shaggy trong phim điện ảnh năm 2002, tái xuất trong Yokoso, Scooby-Doo! | Diyah Pera/Warner Bros/Kobal/ShutterstockĐây chỉ là một trong số nhiều bản làm lại theo phong cách anime, xu hướng đã chứng minh sức hút đặc biệt với các tác phẩm thuộc Warner Bros. như Scooby-Doo. Cả Suicide Squad của DC và Rick and Morty của Dan Harmon đều từng được “phủ” lớp áo anime, nên điều này không quá bất ngờ. Điều gây ngạc nhiên là loạt phim này sẽ được phát sóng trên Tubi thay vì HBO Max như các bản làm lại trước. Nhưng xét chung, đây thực sự là một điểm cộng. Việc phát hành trên Tubi đồng nghĩa với việc khán giả có thể xem miễn phí, giúp mọi người tại Bắc Mỹ đều có thể tiếp cận. (Cartoon Network sẽ phân phối loạt phim này ra thị trường quốc tế.)Vì vậy, dù có sự góp mặt của những giọng nói quen thuộc, toàn bộ thẩm mỹ của loạt phim này sẽ hoàn toàn mới mẻ cho thương hiệu. Sự kết hợp giữa bí ẩn và tiếng cười trong Scooby-Doo cùng phong cách anime và văn hóa Nhật Bản hứa hẹn sẽ mang lại một trong những cuộc giao thoa hoạt hình thú vị nhất từ trước đến nay. Yokoso Scooby-Doo! sẽ được phát sóng trên Tubi. Hiện chưa có ngày ra mắt cụ thể.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Kristina Bumphrey/Variety/Getty Images(SeaPRwire) - Marvel là một trong những thương hiệu lớn nhất vũ trụ, bao gồm cả phim, truyền hình, công viên, tàu du lịch, video game và sách. Nhưng ban đầu, chỉ có một phương tiện: truyện tranh. Marvel Comics là nơi tất cả những nhân vật này bắt đầu, nhưng nó dần bị đẩy sang vị trí thứ hai để nhường chỗ cho vũ trụ điện ảnh. Marvel Comics nói chung có một sự liên tục riêng với vũ trụ riêng của nó, nhưng nó có thể có nhiều điểm chung hơn với MCU sớm hơn nhờ một sự thay đổi trong lãnh đạo mang lại một tay lão trong lĩnh vực truyền hình sang thế giới truyện tranh. Marvel TV luôn có gốc rễ trong truyện tranh. | Marvel StudiosTheo The Hollywood Reporter, Marvel đã công bố rằng Brad Winderbaum, trưởng bộ phận truyền hình và hoạt hình hiện tại, sẽ sớm có một chức vụ rộng hơn: "trưởng bộ phận truyền hình, hoạt hình, truyện tranh và nhượng quyền", bao gồm cả nội dung phát trực tuyến trên Disney+ của Marvel cũng như Marvel Comics. David Abdo, trưởng phòng hiện tại của Disney Music Group, sẽ chuyển sang lĩnh vực truyện tranh Marvel với chức vụ mới là "trưởng phòng, truyện tranh và nhượng quyền", báo cáo cho Winderbaum. Điều này có nghĩa là Dan Buckley, người đứng đầu lâu năm của Marvel Comics, sẽ rời khỏi công ty hoàn toàn. Buckley là một chuyên gia Marvel, giữ chức nhà xuất bản kể từ năm 2003. Buckley từng là trưởng bộ phận Marvel Entertainment trong nhiều năm và phục vụ trong Ủy ban Sáng tạo Marvel đã ngừng hoạt động, tư vấn cho các bộ phim MCU từ Iron Man đến Avengers: Age of Ultron. Winderbaum đã làm việc tại Marvel trong hơn một thập kỷ. | Imeh Akpanudosen/Getty Images Entertainment/Getty ImagesDường như đây không phải là một nước đi gây tranh cãi, và Buckley sẽ ở lại đến năm 2027 để đảm bảo một sự chuyển giao suôn sẻ, nhưng điều đó không ngăn cản người hâm mộ suy đoán về tương lai. Không thể biết chắc chắn vào thời điểm này, nhưng xem xét cách Winderbaum đã định hình Marvel TV trong quá khứ, có thể chúng ta sẽ thấy nhiều sự giao thoa hơn giữa truyện tranh và MCU, đặc biệt là các chương trình phát trực tuyến. Có nhiều chương trình truyền hình Marvel đã thích nghi với cốt truyện hoặc nguyên tắc của truyện tranh, bao gồm Hawkeye và What If. Với Winderbaum đứng đầu, chúng ta có thể sẽ thấy nhiều ấn phẩm truyện tranh được xuất bản với tầm nhìn thích ứng cuối cùng. Ngược lại, chúng ta cũng có thể thấy nhiều câu chuyện hoặc nhân vật truyền hình có những cuộc phiêu lưu riêng trong truyện tranh. Điều này có thể không phù hợp với người hâm mộ, nhưng trong thế giới Marvel, sự kết nối càng nhiều thì càng tốt, thường thì thế. Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Hulton Archive/Moviepix/Getty Images(SeaPRwire) - Nếu bạn nghĩ rộng ra một chút, Young Frankenstein chính là một dạng bản reboot. Nó quay trở lại với nguồn gốc tác phẩm của mình — ở đây là các bộ phim về quái vật của Universal do James Whale thực hiện là Frankenstein và The Bride of Frankenstein, bản thân chúng cũng được chuyển thể lỏng lẻo từ tiểu thuyết của Mary Shelley — và khởi động lại câu chuyện theo cách hoàn toàn mới, với một điểm khác biệt cốt lõi: phiên bản kinh điển định nghĩa thể loại khoa học viễn tưởng/kinh dị của Mel Brooks lại chứa đầy những đoạn chơi chữ ngốc nghếch và hài hước về giới tính cấp PG. Nếu chúng ta chấp nhận tiền đề này, thì Very Young Frankenstein chính là reboot của một bản reboot, một cấu trúc phi lý hoàn toàn phù hợp với tài năng hài kịch tham gia vào loạt phim này. Brooks đã đồng ý cho thực hiện Very Young Frankenstein, phiên bản truyền hình của bộ phim hài yêu thích ra mắt năm 1974 của ông đã được phát triển hơn một năm và mới được FX đặt hàng sản xuất loạt phim, theo một bài báo trên The Hollywood Reporter. Dĩ nhiên, FX cũng là nơi phát hành What We Do in the Shadows, và hai loạt phim này chia sẻ những nhân tài chủ chốt: đồng sáng tạo loạt phim Taika Waititi đã được chọn làm đạo diễn tập thử nghiệm của Very Young Frankenstein, được viết bởi một nhân vật quan trọng khác của WWDITS , Stefani Robinson. Robinson đã viết (và được đề cử giải Emmy cho) nhiều tập cổ điển của bộ phim hài về ma cà rồng này, bao gồm cả tập được yêu thích của mùa hai “On the Run”, tập đã giới thiệu với thế giới một nhân viên pha chế người bình thường tên là Jackie Daytona.Ngoài dàn nhân viên hậu trường (rất đầy hứa hẹn) đó, Very Young Frankenstein cũng đã chọn Zach Galifianakis, Dolly Wells, và Spencer House vào các vai chính. Chỉ dựa vào ngoại hình và không khí chung, có vẻ rất khả năng Galifianakis sẽ vào vai nhân vật Fraunk-un-shteen của Gene Wilder, còn Wells — người đã thay đổi giữa vai kịch tính và hài kịch trong suốt sự nghiệp của bà — sẽ đảm nhận một vai tương tự như vai Teri Garr đã đóng trong bộ phim gốc. Còn House? Chà, anh ấy cao 6 foot 4 (khoảng 1m93) và vai rộng, nên bạn tự đoán đó là vai nào. Kumail Nanjiani, Nikki Crawford, và Cary Elwes cũng tham gia tập thử nghiệm, được quay vào mùa thu năm ngoái sau khi nhận được đơn đặt hàng làm tập thử nghiệm vào tháng 9. Giờ đây, FX đã bật đèn xanh cho toàn bộ mùa giải đầy trò đùa của thập niên 2020 làm lại thập niên 1970, lại làm lại thập niên 1930. Sẽ rất thú vị để xem phong cách của Waititi và Robinson — vốn ít nhất ở What We Do in the Shadows, có đặc điểm đa lớp và đầy các ám chỉ lịch sử, văn hóa đầy ngầm ý — hòa hợp như thế nào với các câu nói hài kịch nảy của Brooks. (Công bằng mà nói, WWDITS cũng có không ít những chi tiết ngốc nghếch.) Tuy nhiên, với thành tích của tất cả những người tham gia, dự đoán rằng tác phẩm này sẽ rất hài hước. Đó là tất cả những gì chúng ta biết cho đến hiện tại, ngoài phát biểu này từ chủ tịch FX Entertainment Nick Grad, ông nói: “Very Young Frankenstein kết hợp nguồn cảm hứng từ bộ phim được người hâm mộ yêu thích với tinh thần sáng tạo, bất kính đã định nghĩa các bộ phim hài của FX trong nhiều năm qua, biến đây thành một cách tiếp cận hoàn toàn nguyên bản cho câu chuyện kinh điển.” Young Frankenstein hiện không có trên bất kỳ nền tảng phát trực tuyến nào, nhưng bạn có thể xem What We Do in the Shadows trên Hulu. Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Lucasfilm(SeaPRwire) - Thật khó tưởng tượng Star Wars mà thiếu đi Yoda. Một trong số ít nhân vật không thay đổi xuyên suốt dải thời gian rộng lớn của loạt phim, mọi fan hâm mộ đều đã từng nghe không biết bao nhiêu lần ai đó bắt chước giọng nói của Yoda, và rất có thể họ cũng đã từng nhìn thấy khuôn mặt trưởng thành khôn ngoan của nhân vật này trên rất nhiều sản phẩm đồ chơi. Trong các bộ phim điện ảnh, Yoda được lồng tiếng bởi huyền thoại Muppets Frank Oz, nhưng còn một diễn viên khác đã từng thủ vai Yoda trên màn ảnh: Tom Kane, người đã lồng tiếng cho Yoda (và nhiều nhân vật khác) trong Star Wars: The Clone Wars.Gần đây, Kane đã qua đời ở tuổi 64, và nếu không có ông, The Clone Wars sẽ hoàn toàn khác đi. Có lẽ bạn không hề hay biết, nhưng ông đã tham gia lồng tiếng trong từng tập phim của series này.Những cảnh xuất hiện của Yoda trong The Clone Wars luôn để lại dấu ấn mạnh mẽ. | LucasfilmKane đã lồng tiếng cho Yoda, Qui-Gon Jinn và nhiều nhân vật khác trong The Clone Wars, nhưng vai diễn đóng góp nhiều nhất của ông thực ra lại không phải là một nhân vật có tên tuổi; đó chính là giọng đọc phong phú mang phong cách đài tường trình ở đầu mỗi tập phim. Ông cũng đã lồng tiếng cho Đô đốc Ackbar trong Star Wars: The Last Jedi, và cung cấp thêm các giọng lồng tiếng phụ cho The Force Awakens, Solo, Rogue One và The Rise of Skywalker. Ông còn không ngừng giới hạn mình ở vũ trụ chính thống, khi còn lồng tiếng cho Yoda trong Robot Chicken.Yoda từng có vai trò tương đối nhỏ trong The Clone Wars, vì series này tập trung chủ yếu vào Ahsoka và Anakin, nhưng điều đó không có nghĩa là nhân vật này không quan trọng. Không có ví dụ nào thuyết phục hơn đoạn hồi kết của Mùa 6, “Voices/Destiny/Sacrifice.” Vào thời điểm đó, đây được cho là đoạn hồi kết của toàn bộ Clone Wars, và nó cũng có cốt truyện đỉnh cao như tiêu đề gợi ý. Các tập phim theo dõi Yoda khi nhân vật gặp được Linh hồn của Qui-Gon Jinn, người đã gửi Yoda đi thực hiện một nhiệm vụ đến Moraband, hành tinh quê nhà của Sith. Trong suốt ba tập phim, Yoda chứng kiến những cung bậc cảm xúc về tương lai của Jedi, bao gồm cả sự kiện Mệnh lệnh 66.“Voices” đã mở ra một khía cạnh siêu nhiên mới của Force. | LucasfilmNhững tập phim này đã làm được điều mà các phim điện ảnh Star Wars chưa bao giờ có đủ không gian để thể hiện: cho thấy một Yoda phong phú, huyền bí, khám phá nhân vật xa hơn cả hình ảnh bậc thầy khôn ngoan trong các phim điện ảnh. Ở đây, Yoda là một Jedi đang trải qua những thử thách tâm linh, giống như học trò tương lai của mình, Luke. Khoảnh khắc đặc biệt này càng được làm nên sâu sắc hơn nhờ phần diễn lồng tiếng của Kane, vốn mang đầy cảm xúc đằng sau giọng nói "Muppety" thường thấy của Yoda.The Clone Wars có lẽ đã khép lại, nhưng ảnh hưởng của nó đối với Star Wars sẽ còn kéo dài rất lâu, đặc biệt khi người đứng đầu series Dave Filoni hiện là Phó Chủ tịch của Lucasfilm. Và series này, vì vô vàn lý do, đã không thể như vậy nếu thiếu đi Tom Kane.Star Wars: The Clone Wars đang phát sóng trên Disney+.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Marvel Studios(SeaPRwire) - Khoảng mười năm đã trôi qua kể từ khi phiên bản Punisher của Jon Bernthal ra mắt trong mùa thứ hai của series Daredevil của Netflix, và kể từ đó, sự hiện diện của anh ấy khá không thường xuyên. Sau đó, nhân vật này có series spin-off riêng với hai mùa, và khi Daredevil được tích hợp vào MCU thông qua chương trình Disney+ Born Again, Frank Castle đã xuất hiện ngắn gọn ngay sau đó, trong đó anh ta đã giết một nhóm cảnh sát tham nhũng mặc biểu tượng của mình. Mặc dù "máy giết người" yêu thích của mọi người không xuất hiện trong mùa thứ hai của Born Again, anh ấy sẽ trở lại để tàn phá thế giới tội phạm của New York trong Spider-Man: Brand New Day, khoảng một tháng sau khi nhân vật nhận được chương trình đặc biệt đầu tiên của mình: The Punisher: One Last Kill.Chương trình đặc biệt này, được phát hành sau mùa thứ hai của Born Again và diễn ra đồng thời, lại lần nữa giới thiệu Frank trong tình trạng thấp nhất, đối mặt với sự sụp đổ tinh thần do chấn thương từ quân đội và hậu quả của các cuộc săn giết thường xuyên của anh ấy. Mặc dù nó giới thiệu một kẻ thù yêu thích của Punisher là Ma Gnucci, nhưng phần lớn, bộ phim TV 40 phút này lặp lại nhiều điểm tương tự như series Netflix của Castle, một câu chuyện "trở lại với vai trò" mơ hồ, đánh dấu lần thứ ba chúng ta thấy Frank bắt đầu lại cuộc chiến của mình sau một khoảng thời gian nghỉ hưu giả. Sau 10 năm làm nhiều điều tương tự, tôi cảm thấy phiên bản Punisher của Bernthal đang ở điểm mấu chốt: hoặc MCU cần tìm ra hướng đi cho nhân vật này nhanh chóng, hoặc đã đến lúc anh ấy cất đi chiếc đầu lâu một cách vĩnh viễn. One Last Kill không phải là cú giết cuối cùng — chúng ta biết Frank sẽ trở lại trong Spider-Man: Brand New Day — nhưng nó thực sự nên là vậy.Mười năm sau khi ra mắt trong Daredevil, mọi người vẫn đang chờ Punisher của Bernthal thực sự trở thành Punisher. | Marvel StudiosTrong truyện tranh, Punisher hoàn toàn khác với hình ảnh luôn khóc lóc, tự cảm愧疚 của Bernthal: anh ấy giống hơn với bản chất không cảm xúc của T-800, một golem của bạo lực thuần túy được truyền động bởi sự báo thù và được cho một "lối ra" chấp nhận được cho ham muốn máu được nuôi dưỡng trong anh ấy bởi kinh nghiệm ở Việt Nam. Việc anh ấy không hối hận không phải là một lỗi thiết kế; nó có thể là một trong những đặc điểm tâm lý thú vị nhất của nhân vật. Chắc chắn không phải MCU chưa từng thay đổi các nhân vật của họ trước đây, nhưng trong trường hợp Punisher, họ đã lấy đi chính những gì làm cho anh ấy trở thành một nhân vật khó chịu, và thay thế bằng một "trái tim vàng" cuối cùng giúp làm sạch ham muốn giết người không đáng được chấp nhận của anh ấy.Trong hơn 50 năm tồn tại, Punisher đã tồn tại như một thử nghiệm đạo đức cho độc giả và vô số nhà văn — những người như Chuck Dixon, Greg Rucka và Garth Ennis đều đã đưa cho Frank Castle một số câu chuyện phi thường trong nỗ lực khám phá tâm lý của anh ấy và hiểu điều gì thu hút độc giả đến một nhân vật tối tăm như vậy. Punisher của Bernthal hoàn toàn không có chiều sâu đó, vì mỗi lần chúng ta nhìn thấy anh ấy, anh ấy lại lặp lại chính cùng một arc: một giai đoạn không hành động đầy đau buồn bị gián đoạn bởi quelque thứ kéo anh ấy trở lại cách sống cũ, với sự dedication mới cho sứ mệnh của mình. Đây là một cách tiếp cận tốt cho nhân vật lần đầu tiên, nhưng khi nó được lặp lại đến mức nhàm chán, nó thực sự cảm giác như MCU từ chối cung cấp bất kỳ cảm xúc sâu sắc nào cho nhân vật hoặc làm cho anh ấy trở nên thô lỗ vì sợ làm xa lánh những fan xem anh ấy như một anh hùng không nói nhiều.Hy vọng sự xuất hiện của anh ấy trong Brand New Day có thể thể hiện điều gì khiến Frank trở nên khó chịu đối với các anh hùng khác của Marvel. | Marvel StudiosMột phần arc của Daredevil: Born Again liên quan đến một liên minh của cảnh sát tham nhũng mặc chiếc đầu lâu Punisher để gợi lên một ý nghĩa nhất định, cụ thể là cách tiếp cận tàn bạo ngoài tòa án của Frank đối với tội phạm. Việc sùng bái Punisher là thứ mà truyện tranh đã xử lý trực tiếp nhiều lần, thường với Frank sử dụng lực lượng chống lại đoàn quân fanboys lạc lối của mình, và đáng khen của mùa Born Again là nó kết thúc với Punisher giết một đội nhỏ cảnh sát tham nhũng — nhưng nhân đề của chương trình đặc biệt, trong đó New York bùng nổ vào hỗn loạn và bạo lực do một thưởng thưởng đặt trên đầu Frank, không thể không cảm thấy như nó xác nhận quan điểm của những cảnh sát đó. Trong truyện tranh, Punisher không thể không xem thế giới như một thế giới của nạn nhân và kẻ gây hại, điều này có lợi cho sự ám ảnh tàn bạo của anh ấy ngay cả khi nó không hoàn toàn đúng; mặt khác, toàn bộ One Last Kill dường như củng cố câu chuyện này, đặt Frank như hàng phòng thủ cuối cùng trong một thế giới bùng nổ với sự bất hợp pháp. Thay vì cân nhắc lợi và hại của cách tiếp cận trừng phạt mạnh mẽ của Frank đối với tội phạm và thăm dò các phức tạp bên trong, MCU hài lòng với một sự hiểu biết đơn giản hơn nhiều về nhân vật: rằng anh ấy là một avatar của sự báo thù công lý bị thiếu trong thế giới, cung cấp một loại công lý cần thiết mà các kênh hợp pháp không đủ khả năng phân phát.Kể từ mùa thứ hai của Daredevil cách đây một thập kỷ, tôi đã chờ đợi xem Punisher của Bernthal phát triển. Không nhất thiết anh ấy cần giống hoàn toàn với nhân vật trong truyện tranh, nhưng anh ấy cần phải vượt ra khỏi kiểu mẫu John Wick mà anh ấy liên tục bị ép vào — Frank Castle là một trong những nhân vật phổ biến nhất trong truyện tranh, và sự phổ biến đó đặt ra một số câu hỏi cực kỳ cấp thiết về mối quan hệ của xã hội với súng, hệ thống nhà tù, và bản chất của sự hùng hồn bản thân. Nếu MCU không thể viết Punisher với chiều sâu và trọng lượng cần thiết để làm cho sự hiện diện của anh ấy thực sự gây suy ngẫm, thì có thể lần nghỉ hưu giả tiếp theo Frank Castle thực hiện nên là vĩnh viễn.The Punisher: One Last Kill phát sóng trên Disney+.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

(SeaPRwire) - Khi nghĩ về The Mandalorian, có vài điều ngay lập tức xuất hiện trong đầu: thám tử bổn phận Pedro Pascal là Mando đen một cánh cửa rồi mọi chuyện dẫm nát; cảnh quan miền Tây cũ kỹ; và những cuộc phiêu lưu khoa học viễn tưởng hấp dẫn. Và, tất nhiên, sự dễ thương – người nhỏ nhắn – Grogu, người trở thành người giám hộ và con trai độc thân của Din Djarin — và biểu tượng hình ảnh của thời kỳ mới của Star Wars. Đó là một chương trình được xây dựng dựa trên những hình ảnh đầy sức hút và những khoảnh khắc trò chuyện nóng trên sô-pha, dựa trên ý tưởng đặt một bộ giáp thanh mảnh (mặc dù không phải bộ gốc) làm trung tâm và các điểm đến của khoa học viễn tưởng thô sơ. Nhưng những thứ mới lạ vào bảy năm trước hiện nay đã trở nên chán nản. Và The Mandalorian and Grogu, lần thử nghiệm vô vị của Jon Favreau để mang thám tử bổn phận lên đại diện, không đủ để vượt qua mùa giải đầu tiên kỷ lục.Rõ ràng từ ban đầu rằng The Mandalorian and Grogu, diễn ra ngay sau mùa thứ ba của chương trình trên Disney+, đang cố gắng lấy lại sự kỳ diệu của mùa giải đầu tiên. Nó loại bỏ sự khó hiểu của lịch sử mà màn chính đã bắt đầu làm nặng tay, và cố gắng nỗ lực quay lại những điều cơ bản: Mando và Grogu, đi cùng nhau trên các cuộc phiêu lưu độc lập khắp vũ trụ.The Mandalorian and Grogu đưa câu chuyện của Din Djarin và Grogu trở lại những điều cơ bản — cho tốt và cho xấu. | LucasfilmCuộc phiêu lưu mới nhất của họ đến từ Ward (Sigourney Weaver, đang làm việc trong chế độ 'phoning it in'), một nhà lãnh đạo kiên quyết của Adelphi Rangers của Liên Hợp Quốc mới, người đã thuê Din Djarin để truy sát các tội phạm Hoàng gia còn lại. Nhưng mục tiêu mới nhất của anh ta, một thủ lĩnh bí ẩn chỉ biết là "Coin", đưa anh vào lãnh thổ tội phạm xấu xa của Hutts, người họ cam đoan sẽ cung cấp cho Din thông tin về thủ lĩnh này nếu anh có thể cứu con trai Jabba the Hutt, Rotta (Jeremy Allen White), cho họ. Điều này đưa Din Djarin và Grogu vào cuộc thám hiểm nguy hiểm, đi trên các hành tinh khác nhau, để chống lại các hối lộ, và một số con quái vật nước ngập.Đó là The Mandalorian tối thiểu — tất cả những gì nó yêu cầu của khán giả là biết Mando rất hấp dẫn và Grogu không thể cưỡng lại được. Din Djarin đã đi qua nhiều cánh cửa, và bắn hạ nhiều kẻ xấu trong những cảnh quay đẹp mắt được mô phỏng sau những ký ức tốt nhất của Jon Favreau khi xem phim John Wayne, đến mức bạn đã bắt đầu quên đi số lượng. Và Grogu ăn rất nhiều thứ kỳ quặc. Nhưng chiến lược quay lại những điều cơ bản có thể cảm thấy thú vị nếu nó không phải là nhược điểm lớn nhất của bộ phim. Trong khi cố gắng loại bỏ tất cả các lá thư và xây dựng thế giới bằng cách tăng thêm nhiều thông tin về thế giới, The Mandalorian and Grogu mất hết sự quan trọng của các vấn đề. Bộ phim, có cấu trúc thô lỗ xung quanh ba cuộc phiêu lưu mà có vẻ như không liên quan đến nhau, cảm thấy như Favreau và đồng sáng tác đã ép ba tập của The Mandalorian vào trong một — và thậm chí không phải là những tập đặc biệt hay ho hay quan trọng. Giống như một câu chuyện đệm ở giữa mùa giải, đột nhiên có ngân sách đại diện và định dạng IMAX. Nhưng thậm chí những cảnh quay đẹp mắt cũng không thể lấy lại sự vui nhộn của những tập đầu tiên.Rotta thể hiện rất nhiều vấn đề của bộ phim và sự bão đại của những cameos và Easter eggs. | LucasfilmNhưng, khó hiểu, The Mandalorian and Grogu cũng đầy những Easter eggs và những món đồ nội tại sâu xa của Star Wars, có thể khiến người xem bình thường cảm thấy bối rối — bao gồm cả người dân Star Wars bình thường (tôi). Sự kết hợp giữa câu chuyện đơn giản với những đoạn lịch sử ngẫu nhiên được thiết kế để khiến các fan điên cuồng của Star Wars làm hình ảnh Leo pointing meme khiến bộ phim cảm thấy vô cùng vô trọng lượng. Như nhiều kẻ nghi ngờ đã lo lắng, The Mandalorian and Grogu cực kỳ giống như "Glup Shitto: The Movie", và nhân vật chính của sự phản bội là Rotta the Hutt. Rotta thể hiện rất nhiều những điều sai trái của Mandalorian and Grogu: lịch sử sâu xa chỉ quan trọng với một số ít fan, một hành trình đơn giản của nhân vật, và một số con quái vật CGI quá nhiều để mắt bạn quét qua. Thêm vào đó, sự lựa chọn diễn viên Jeremy Allen White của The Bear là vô nghĩa — giọng nói của anh ta bị xử lý quá nhiều nên nghe như một người ngoại quốc, thậm chí anh ta nói như thể anh đã bước vào công ty ghi âm giọng nói ở một con phố ngẫu nhiên ở Brooklyn. Mandalorian and Grogu đề cập đến một hành trình tìm thấy gia đình với Rotta, Din Djarin, và Grogu, nhưng nó cảm thấy thiếu sót vì bộ phim không muốn dành thời gian quá nhiều vào bất cứ một điểm nào, để tránh mất cấu trúc câu chuyện tuần đi.Nhiều vấn đề của phim — những câu thoại cứng nhắc, sự xây dựng thế giới vô trọng lượng, sự bão đại của những con quái vật CGI, và sự phục tùng vô tình — có thể được ghi nhận về bản thảo của Favreau, Dave Filoni, và Noah Kloor. Cách làm của phòng sáng tác có thể đã hữu ích đối với câu chuyện của Mando khi nó vẫn còn là chương trình truyền hình, nhưng trong The Mandalorian and Grogu, nó khiến tất cả cảm thấy đồng thời béo phì và thiếu chất lượng. Nó ít hơn là một bộ phim hơn là một tập hợp của các chỉ thị: đến đây để có những cảnh Grogu dễ thương, những cảnh bắn súng Mando (mà đáng tiếc là không có máu), và tất cả các Glup Shittos mà bạn có thể đếm. Đó là một bộ phim theo cách của công viên giải trí và video game — tốt nhất thì nó cảm thấy như một loạt các cảnh cutscene được tổng hợp, xấu nhất thì nó cảm thấy như một trong những video mà bạn xem nửa đêm trong khi chờ đợi đến vé Mandalorian-themed.Cảm giác được nhận diện hóa các hiệu ứng thực và chuyển đổi sang một bộ phim Jim Henson là điểm sáng của bộ phim. | LucasfilmThe Mandalorian and Grogu vẫn có những phút giây thú vị — Grogu có thể được xây dựng trong phòng thí nghiệm để tạo ra sự hung dữ của sự dễ thương, nhưng Grogu quả thực rất dễ thương, đặc biệt khi cuối cùng nó được cho phép dẫn dắt bộ phim. Thực tế, đó là lúc bộ phim mạnh nhất, khi nó để cho Grogu rời khỏi vai diễn phụ/cún cáo dễ thương và đi lên phía trước, trong một phần đầy hiệu ứng thực thuộc về của một bộ phim Jim Henson. Nhưng thậm chí cả cái đèn pin này cũng không đủ để bù đắp cho sự buồn chán của phần còn lại của bộ phim — Din Djarin có vẻ như thiếu sự tự lập trong câu chuyện và thiếu sự phát triển cá nhân đáng kể đã được khám phá trong chương trình. Và quá nhiều lần, cả Mando và Grogu cảm thấy như hai hành khách trên cùng một trò chơi công viên giải trí mà tất cả chúng ta đều bị mắc kẹt.Đây là một bộ phim dành cho các fan của Star Wars, người đã khiến cảnh Cantina trở thành toàn bộ tính cách của họ. Đó là một cuộc trò chơi đầy quái vật CGI, cung cấp các thế giới khác nhau — ở đây, một hành tinh tội phạm cyberpunk, hoặc một hành tinh ngập nước đầy các con quái vật Jim Henson, và những đồ chơi hình dạng người, để bạn tưởng tượng nghịch lưu. Có thể đó là cách The Mandalorian tồn tại từ lâu, nhưng trên đại diện, nó càng hiện rõ hơn.The Mandalorian and Grogu sẽ ra rạp vào ngày 22 tháng 5.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Công ty Realart Pictures Inc.(SeaPRwire) - Khoảng một nửa thế kỷ trước khi M. Night Shyamalan tung ra bộ phim Sự kiện Đại họa (The Happening) – trong đó các vụ tự sát đàn áp đang đe dọa loài người không phải là do chiến tranh sinh học hay xâm lấn từ ngoài vũ trụ, mà chỉ đơn giản là những cây thần kinh tọa tức giận – Hollywood đã chứng kiến một cuộc bùng nổ kỳ quặc cho các bộ phim B-khôi đáng nể về những cây cối hung hăng.Vào ngày hôm nay, đúng 60 năm sau kể từ khi ra mắt, The Navy vs. the Night Monsters là một trong những bộ phim cuối cùng được chiếu tại rạp, sau cái nhìn chán nản của những bộ đáng kể như The Day of the Triffids, From Hell It Came và Womaneater. Và dù vậy, nhờ những cú nhảy lý luận vô lý, hiệu ứng đặc biệt của cửa hàng ti tiện và các câu thoại thẳng thắn (“Đó là tiếng tim đập của một người đàn ông đang hoảng sợ!”), không chỉ có mà còn nhờ biểu diễn cực kỳ ấn tượng từ một con chó yêu quý, nên phim này có vẻ như còn đẹp hơn một bộ phim của Ed Wood từ những năm ‘50.Cuộc giao chiến sau phim – điều càng thu hút hơn cả những thứ hiện lên trên màn hình – chẳng hề được tạo ra để làm cho người xem háo hức. Ngài Michael A. Hoey, đạo diễn ban đầu, quá xấu hổ với vẻ ngoài của quái vật cây cối, cho rằng nhà sản xuất Jack Broder đã “thuê một tên đã làm chúng với giá chỉ $1.98”, nên anh ta đã cố gắng che khuất chúng trong ánh sáng yếu trước khi rời khỏi dự án hoàn toàn.Lo lắng về tương lai nghề nghiệp, các diễn viên gần như theo anh ta khi họ biết tên gốc của phim, The Monster from Earth’s End – tên được lấy từ tiểu thuyết Murray Leinster mà phim đang phản ánh – đã bị thay đổi thành tên The Navy vs. the Night Monsters – tên dở hơn nhiều. Broder quyết tâm làm một bộ phim 90 phút mà anh ta có thể bán được cho truyền hình, nên anh đã chọn Jon Hall (The Hurricane) – anh hùng phi vụ – và Arthur Pierce, đạo diễn của Women of the Prehistoric Planet, để phục vụ bộ phim của Hoey với một bản sao 78 phút. Không may, thêm vào đó, phim của họ như nhìn thấy một cây cối phát triển.Michael A. Hoey, được biết tới nhiều nhất với các bộ phim Elvis Live a Little, Love a Little và Stay Away, Joe, không cần phải lo lắng về vẻ ngoài của những quái vật cây cối. Các cây cối này có vẻ như được làm từ một bó gối đính vào một cái cột. Có thể, hầu hết người xem sẽ đã ngủ gật trước khi chúng đi vào khung hình do một màn khai chiến dài dòng, quá nhiều thông tin và được thiết kế rõ ràng để đủ thời lượng. “Nó hoàn toàn phá hủy cảm giác mà tôi đã có,” Hoey sau này tuyên bố về các cảnh làm việc nhàm chán trong một trạm thời tiết thuộc Hải quân Mỹ. Thật đáng tiếc, phần còn lại của The Navy vs. the Night Monsters cũng chẳng hơn gì.Đội diễn viên đã gần như bị loại. | Công ty Realart Pictures Inc.Chỉ khi bản C-47 đưa các thành quả của cuộc khảo sát châu Nam Cực bị sập trên đảo Gow ở Thái Bình Dương, chắn ngang con đường bay duy nhất và phá hủy phương tiện liên lạc duy nhất tới thế giới bên ngoài, câu chuyện mới bắt đầu. Một đội nhà khoa học và y tá phát hiện ra rằng tất cả mọi người ngoại trừ phi công đang bị sốc tinh thần thì không thấy đâu, song các con vật hoang dã và cây cối cổ đại được gieo trồng trong các cảnh của họ đã tồn tại (mặc dù đầu tiên, không may, chúng chẳng còn tồn tại).“Các nhà khoa học thực vật sẽ bắt chúng làm tội giết người,” một trong các chuyên gia nói về quyết định của họ để trồng cây cối trên đảo, nhưng chúng không cần phải lo lắng về các nhà hoà bình môi trường. Gần đây, nhờ vào một cơn bão nhiệt đới, những loài động vật hoang dã cổ đại bắt đầu giết chết các công dân vào buổi tối, trước hết bằng cách nuốt chửng họ với nhánh cây của chúng, sau đó bằng cách phun ra một chất axit làm tan vỡ da họ.Nhân cơ hội này, phim thông minh lắm khi để phần lớn các cảnh giết chóc nằm vào tầm mắt của người xem. Dù đạo diễn hai lần nhận giải Oscar Stanley Cortez có thể làm gì được cảnh cây cối tĩnh tại, nhanh chóng được lắp ghép, vẫn chẳng thể làm chúng trông có vẻ gì là đáng sợ hơn. Nhưng một điểm cộng cho phim là âm thanh, với những tiếng reo hò u ám mà những quái vật cây cối phát ra – luôn là một lời khuyên làm cho chúng ta thấy những thứ mà chúng ta không thể thấy luôn là đáng sợ hơn những thứ mà chúng ta có thể thấy. Khi một cây cối vừa cắt cổ một thủy thủ vừa vắt tay vào khớp cổ, thì cảnh hành động vô cùng đáng sợ này cũng bắt đầu.Một nạn nhân của những cây cối móp méo. | Công ty Realart Pictures Inc.Thật vậy, cảm xúc của phim lại khác nhau. Một câu chuyện tình không hề thu hút ánh nhìn giữa Tiến sĩ Charlie Brown (thật đấy!) của Anthony Eisley và y tá Nora Hall (Mamie Van Doren) có vẻ như một phim tình cảm hài đời thực. “Tôi đã để cô ấy mặc một chiếc áo sơ mi siêu bó sát và một cái quần siêu ngắn khoảng 50% thời gian,” Hoey sau này thú nhận về sự bạo lực thể thao rõ ràng của anh ta dành cho cô gái này, một người đẹp mà một thời đã được dự đoán sẽ trở thành Marilyn Monroe mới, và cô chỉ đồng ý tham gia vì thương xót cho nhà sản xuất không được công nhận Roger Corman.Và sau khi các Molotov cocktail của Spaulding (Edward Faulkner – người được John Wayne đề cử) thể hiện rằng lửa là điều không thể thiếu của cây cối (ai cũng có thể đoán được?) và liên lạc qua đài được phục hồi, phim cứ như Apocalypse Now khi nhiều tàu chiến hỏa tiễn đến cứu vớt, rơi napalm để nổ tung những cây cối không ngừng nghỉ. Đừng quên rằng màn hình hùng cười này chỉ là một đoạn hình ảnh được chọn lọc đặc biệt.Thú vị thay, The Navy vs. the Night Monsters chưa từng được đánh giá lại như là một bộ phim cult, có lẽ là vì, ngoại trừ một vài cảnh diễn trang phục kém và mấy cảnh khác, nó không hề đủ nổi tiếng, độc đáo hoặc đủ tệ để đủ thứ ai có thể xem nhiều lần. Nó vẫn đáng một lần xem vào một đêm muộn, nhưng về cơ bản, không có gì ở đây có thể cạnh tranh với Mark Wahlberg xin xỏ với một cây xanh nhựa.The Navy vs. the Night Monsters được phát hành trên Tubi.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Lucasfilm(SeaPRwire) - Kylo Ren sẽ lần nữa có cuộc sống mới trong bộ truyện tranh của Marvel...Từ khi dòng chính của tác phẩm Star Wars được khởi đầu lại với bộ ba phim hậu truyền thống, Kylo Ren – kẻ xấu lớn tiếng nhất – đã trở thành một bí ẩn mà mọi người đều rất muốn hiểu rõ. Những tập phim không thể làm sáng tỏ quá khứ của ông ta nhiều lắm, khiến lối kể chuyện trống rỗng này được nhiều bộ truyện tranh khác nhau đổi mới để tìm cách điền vào. Kylo Ren đã trở thành một với Sức Mạnh (The Force) trong bộ phim The Rise of Skywalker năm 2019, nhưng cùng năm đó, Marvel Comics đã cho ra mắt câu chuyện nguyên thủy được kéo dài về Kylo Ren thông qua một loạt bốn tập The Rise of Kylo Ren. Sau đó đến là Legacy of Vader – một loạt bộ truyện tranh liên quan mật thiết được theo dõi sau sự kiện của bộ phim The Last Jedi.Cả hai câu chuyện, do Charles Soule viết, đều được đón nhận rất tốt — đặc biệt là sau chiến dịch cực kỳ nồng nhiệt của người hâm mộ muốn đưa Ben Solo trở lại cho một bộ phim độc lập. Mặc dù câu chuyện của ông ta không thể tiếp tục vượt quá The Rise of Skywalker, nhưng Soule đã quay trở lại cùng với nghệ sĩ Will Sliney – tác giả của Rise – để viết một câu chuyện cuối cùng về Kylo Ren. Một bài toán thứ ba (và có thể là cuối cùng) về Kylo Ren đang đến gần. Sau khoảng thời gian tìm kiếm tâm linh trên Mustafar trong Legacy of Vader, Kylo Ren sẽ phải chịu đựng sự sụp đổ không thể tránh khỏi – sự sụp đổ này sẽ được đề cập tới trong bộ truyện The Fall of Kylo Ren, bắt đầu từ ngày 12 tháng 8.Kylo Ren sẽ được kết thúc bằng một bộ truyện tranh midquel mới. | Marvel ComicsLucasfilm đã chia sẻ thông tin về bộ truyện tranh mới này thông qua IGN, và họ đã đưa ra một giả thuyết về chủ đề của loạt truyện sắp tới. The Fall of Kylo Ren diễn ra ngay sau khoảng thời gian tìm kiếm tâm linh của Kylo Ren trên Mustafar trong Legacy of Vader. Ông ta trở lại Căn cứ First Order và phát hiện ra rằng đồng minh thứ hai của ông ta, Tướng Hux (được đóng bởi Domhnall Gleeson trong các bộ phim), và đồng minh thứ hai của Tướng Hux, Tướng Pryde (Richard E. Grant), đã phá vỡ các quy tắc “bằng tham lam độc ác”. Với mục đích rõ ràng hơn bao giờ hết, Kylo Ren đã bắt đầu cuộc chiến để đem những kẻ trung thành của mình trở lại trong hàng ngũ, và ông ta sẽ dùng sức mạnh cùng sự sợ hãi để đạt được điều đó.Trong một buổi trao đổi với IGN, Sliney đã nói rằng Fall đã được lên kế hoạch lâu dài. “Tin tức về Fall đã được trao đổi ẩn dụ trong suốt thời gian dài,” nghệ sĩ đã chia sẻ. “Từ khi Charles và tôi cùng làm việc trong The Rise of Kylo Ren, chúng tôi đã biết rằng chúng ta đã tham gia vào một câu chuyện thực sự đặc biệt. Chưa bao giờ tôi từng trải qua một nhóm người hâm mộ nào đặc biệt háo hức về câu chuyện khi chúng tôi đã làm việc trong Rise.”Sự hào hứng này đã tăng lên đáng kể khi câu chuyện của Kylo Ren tiếp tục phát triển. Trong bản tin cá nhân của mình, Soule đã chia sẻ mong muốn của ông ta để kết nối lại khoảng thời gian giữa các bộ phim truyền hình, để cho Kylo Ren có một cuộc đi tìm trải qua một cốt truyện mà kẻ thù đang gặp phải. “[Legacy] đã cho ông ta sự rõ ràng, và thậm chí còn có một chút hạnh phúc,” Soule đã viết. “Fall là bộ phận cuối cùng của bài toán.”Nó cũng mang lại cơ hội không tưởng cho bất kỳ nhân vật Star Wars nào, đặc biệt là những nhân vật từ bộ phim hậu truyền thống. Nhưng Kylo là một nhân vật được yêu thích vì lý do nào đó: đây có thể là con đường đến hồi sinh của kẻ ác, nhưng có lẽ Fall sẽ đưa ra con đường để những câu chuyện khác có thể tiếp tục trong Marvel Comics.The Fall of Kylo Ren, từ Marvel Comics, sẽ bắt đầu ngày 12 tháng 8, 2026.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Universal Pictures(SeaPRwire) - Sự thống trị văn hóa liên tục của dòng phim siêu anh hùng, vốn đã kéo dài hơn hai thập kỷ nay, thực sự chỉ có thể so sánh với một xu hướng trong lịch sử Hollywood: sự phổ biến của dòng phim Viễn Tây (Western). Là một thể loại trường tồn thỉnh thoảng lại có những góc nhìn giải cấu trúc hoặc xét lại hiện đại (như Django Unchained hay Logan), dòng phim này đã đạt đến đỉnh cao từ những năm 1940 đến những năm 60.Tinh thần của dòng phim Viễn Tây Mỹ không thể tách rời khỏi những giá trị đã thúc đẩy "Vận mệnh hiển nhiên" (Manifest Destiny) 100 năm trước đó — rằng nước Mỹ là một di sản được định sẵn, và cảnh quan hoang dã của nó phải được thuần hóa để trở thành một mái nhà. Những bộ phim như The Searchers, Shane và The Last Wagon đều mô tả cuộc đấu tranh để bám rễ tại Mỹ trong khi phải đối mặt với vùng hoang dã, những kẻ ngoài vòng pháp luật và những mô tả lỗi thời về các bộ lạc bản địa như những kẻ hung bạo không được chào đón.Phim Viễn Tây Mỹ về cơ bản là một câu chuyện dân tộc chủ nghĩa tập thể, một nỗ lực phối hợp nhằm viết lại lịch sử đầy biến động của quá trình định cư tại Mỹ thành một điều gì đó vẻ vang và cao quý. "Vận mệnh hiển nhiên" đại diện cho nạn diệt chủng người bản địa, và ngay cả nguyên mẫu cao bồi được yêu mến cũng là một sự biến đổi đã được "tẩy trắng" từ di sản của những cao bồi da đen, những người chăn gia súc chiếm tới 25% số người tham gia các cuộc lùa gia súc. Phim Viễn Tây là điểm khởi đầu cho một sự định nghĩa lại văn hóa toàn diện về ý nghĩa của việc định cư tại Mỹ — nhưng bốn năm trước, một trong những tài năng trẻ đương đại của dòng phim kinh dị đã mang đến một bộ phim viết lại dòng phim Viễn Tây như một công cụ để đòi lại, không chỉ lịch sử nước Mỹ mà cả lịch sử của Hollywood.Bộ phim Nope của Jordan Peele, vừa mới có mặt trên Netflix, rõ ràng mang đậm dấu ấn của dòng phim Viễn Tây, từ bối cảnh Agua Dulce cho đến các nhân vật chính là những người huấn luyện ngựa. Nhưng nó cũng là một phần của một nỗi ám ảnh lâu đời khác của Hollywood: UFO và người ngoài hành tinh. Sự so sánh với Spielberg đã theo đuổi Peele trong suốt sự nghiệp của ông, nhưng không nơi nào nổi bật hơn trong Nope, bộ phim theo chân hai anh em và cũng là những người huấn luyện ngựa tại Hollywood là Emerald (Keke Palmer) và OJ Haywood (Daniel Kaluuya) khi họ cố gắng ghi lại bằng chứng hình ảnh về hoạt động của UFO nhằm cứu trang trại gia đình khỏi nguy cơ phá sản. Mặc dù chiếc đĩa bay trong Nope khát máu hơn nhiều so với những người ngoài hành tinh trong Close Encounters of the Third Kind, chúng vẫn chia sẻ một sợi dây chủ đề — người ngoài hành tinh như một cửa sổ nhìn vào những điều chưa biết, một lời nhắc nhở rằng có những kỳ quan không lường trước được ở ngoài kia.Một trong những điều mà bộ phim thứ ba của Peele hiểu rất rõ là lịch sử của dòng phim Viễn Tây như một nơi chốn của sự bóc lột kiểu Mỹ. Trong thế kỷ 19, bò rừng Mỹ đã bị những người định cư săn đuổi đến mức gần như tuyệt chủng; Nope không có bò rừng, nhưng sợi dây bóc lột động vật đó xuyên suốt bộ phim, đáng chú ý nhất là trong các phân cảnh hồi tưởng về chương trình truyền hình Gordy’s Home, một bộ phim sitcom hư cấu thập niên 90 với sự tham gia của một con tinh tinh, kẻ đã thảm sát phần lớn dàn diễn viên và đoàn làm phim sau khi bị kích động bởi những quả bóng bay sinh nhật. Sự kiện này gây chấn thương cho một trong những diễn viên nhí của chương trình, Ricky “Jupe” Park (Steven Yeun), người sau đó tất yếu lặp lại chu kỳ đó bằng cách dâng ngựa cho UFO trong nỗ lực thuần hóa nó. Không biết rằng UFO đó thực chất là một sinh vật ngoài hành tinh có tri giác (được gọi một cách trìu mến là Jean Jacket) hoạt động giống như một con vật, và nó không hề thích thú với những nỗ lực khuất phục mình.Những nỗ lực của Jupe nhằm thuần hóa Jean Jacket có thể được xem là sự mở rộng của mong muốn sâu sắc kiểu Mỹ là thuần hóa những gì họ không hoàn toàn hiểu rõ. | Universal PicturesSự bóc lột mà các bộ phim Viễn Tây phần lớn bỏ qua không chỉ dành riêng cho động vật — di sản của những cao bồi da đen bị vùi lấp trong sự xóa bỏ, và Peele liên kết điều đó với sự xóa bỏ những người lao động và thợ thủ công da đen của Hollywood. OJ và Em là hậu duệ của người nài ngựa vô danh trong đoạn phim của Muybridge, một đoạn video ngắn về một người đàn ông cưỡi ngựa, được coi là một trong những hình ảnh chuyển động đầu tiên. Việc danh tính của người nài ngựa bị thời gian lãng quên là sự phản ánh của vô số những người đóng góp không phải da trắng cho lịch sử Hollywood, điều này mang lại cho hành trình của OJ và Em một sức nặng chấn động không lời, một nỗ lực không chỉ cứu trang trại gia đình mà còn tái lập người da đen như những người tiên phong của máy quay điện ảnh, ghi lại những điều không thể ghi lại.Một ý tưởng lặp đi lặp lại trong Nope là mong muốn ghi lại "cú máy không tưởng", một thứ gì đó khó tin đến mức cảm giác như không có thật. Trong bộ phim, mục tiêu đó gắn liền với dòng dõi của dòng phim Viễn Tây Mỹ. Bị tước bỏ bối cảnh chính trị và lịch sử định hình nên thể loại này, phim Viễn Tây về cơ bản là về cuộc tìm kiếm một mái nhà, một nơi để gọi là của riêng mình.Đối với Em và OJ, việc ghi lại hình ảnh Jean Jacket trên phim đồng nghĩa với việc cứu Haywood Horses, công trình cả đời của cha họ và là mối liên kết gần gũi nhất của họ với ông sau khi ông qua đời đột ngột. Mặc dù là một sự kết hợp khá mạnh mẽ giữa các thể loại — khoa học viễn tưởng, kinh dị, Viễn Tây — cốt lõi của Nope là sự hòa giải lịch sử của dòng phim Viễn Tây như một thể loại làm sạch những khía cạnh đen tối nhất của lịch sử nước Mỹ, đồng thời nói lên mong muốn sâu sắc của con người là tìm một nơi để thuộc về.Nope đang được phát trực tuyến trên Netflix.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

DC Studios(SeaPRwire) - Cuối cùng, chúng ta đã có sự chấp thuận cho Lanterns — và nhiều hơn nữa. Màn xem trước mới nhất cho cuộc phiêu lưu siêu anh hùng mới của HBO đã cho chúng ta cái nhìn tốt nhất tới vẻ ngoài của show khiến chúng ta không gặp nhiều vấn đề như người hâm mộ dường như có với việc ra mắt ban đầu. Đương nhiên, Lanterns vẫn rất, rất màu nâu, và phạm vi của series vẫn giống như cũ. Câu chuyện cũng đang củng cố ý tưởng rằng “chỉ có một” người mới có thể mang chiếc nhẫn Green Lantern, giữa Hal Jordan (Kyle Chandler) đã quen và John Stewart (Aaron Pierre) là người bị chán ghét… điều này có thể rất quái dị với bất kỳ ai hy vọng được thấy hai anh hùng yêu thích này đấu tranh cùng nhau.Tuy nhiên, ở một góc độ nào đó, thì thật thú vị khi thấy Lanterns thiết lập John Stewart là một trong những người bảo vệ chính của Trái Đất. Series đều đề cập tới nguồn gốc của John khi được truyền thụ vai trò là một Green Lantern mới, điều này sẽ ảnh hưởng trực tiếp tới các phim tương lai, như bộ phim Superman tiếp theo của James Gunn, Man of Tomorrow — và thậm chí là phim Justice League mà có thể sẽ hoặc không sẽ được làm.Trong trailer mới của Lanterns, Hal được định vị như là một thứ duy nhất đứng giữa John Stewart và chiếc nhẫn. “Chỉ có một cách” John có thể đạt được chiếc nhẫn Green Lantern nếu ông ta không còn trong hình ảnh, điều này gần như xác nhận lại những suy đoán của mọi người về phiên bản Hal thời bao cấp. Ông ta sẽ chắc chắn sẽ chết đi trong suốt series, trong khi John sẽ thay thế ông ta, kết nạp vào danh sách Guy Gardner (Nathan Fillion) là một trong hai Lanterns được giao nhiệm vụ bảo vệ khu vực.Không chỉ trailer mới này đang đặt cược Hal’s demise. Khi Pierre kết nạp vào cast của Man of Tomorrow, người hâm mộ dường như đã suy đoán rằng ông ta sẽ là gương mặt chính của Lantern Corps trong DC Universe. Giờ đây Hal đang khăng khít rằng John sẽ chỉ có thể có chiếc nhẫn “khi tôi chết”, những suy đoán này gần như đã được chứng minh là đúng. Lại một lần nữa, điều này có vẻ hơi đáng thất vọng với những người muốn thấy Hal và John đấu tranh song song với nhau trong live-action, chia sẻ những chiếc nhẫn này. Tuy nhiên, với những người lớn lên với John Stewart như là một Green Lantern xác định, nhờ những chương trình hoạt hình như Justice League, thì đây là một điều tốt hơn so với những gì chúng ta đã có.Với Lanterns, chúng ta có thể gần hơn một bước tới vị trí Justice League lý tưởng. | DCCó thể chúng ta còn cách xa đến việc thấy Justice League chính thức hình thành trong DCU, nhưng với việc John được chỉ định và vai trò tiếp theo của ông ta trong Man of Tomorrow, chúng ta chắc chắn sẽ gần hơn một bước tới vị trí Justice League lý tưởng. Với Superman (David Corenswet) và một phiên bản Hawkgirl (Isabela Merced) đã được thiết lập trong thế giới này — và có thể, chỉ có thể, Wonder Woman đang đứng trong chờ đợi — super-team đang chậm rãi nhưng kiên định hình thành. Lanterns là một bước đi quan trọng trên con đường tới một crossover được mong đợi, nhưng nó cũng có vẻ như sẽ devenir một series khá hay trong bản chất của nó.Lanterns ra mắt vào ngày 16 tháng 8 trên HBO Max.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

(SeaPRwire) - Từ khi phim Alien, những sinh vật ngoài hành tinh đã trở thành kẻ thù lạ mặt hoàn hảo trong các bộ phim kỳ ảo. Giữa The Thing, Annihilation và Cloverfield, cuộc xâm lược của người ngoài hành tinh và sự chiến đấu cho sự sống tồn tại khắp lịch sử điện ảnh. Nhưng với sự phổ biến này là sự mong đợi, và giờ các bộ phim này có vẻ như trở nên hơi lặp đi lặp lại.Vào Lễ hội Điện ảnh Cannes, một bộ phim kỳ ảo mới từ một đạo diễn Hàn Quốc đã chứng minh năng lực của mình đang chia rẽ các nhà phê bình — và bây giờ người hâm mộ có cơ hội để hiểu rõ hơn về phim này với một trailer mới được ra mắt. Xem trailer thử nghiệm dưới đây: Hope là bộ phim tiếp theo của đạo diễn Hàn Quốc Na Hong-jin, người đã đạo diễn trước đó The Chaser, The Yellow Sea và The Wailing. Theo Deadline, cốt truyện của phim như sau: “Ở Thị trấn Hope Harbor, một ngôi làng nghèo ở khu vực đường ranh giới giữa hai quốc gia, chỉ huy công an Bum-seok nhận được tin từ người dân về việc một con hổ xuất hiện. Khi thị trấn này bị hoảng loạn, Bum-seok bị buộc phải đối mặt với một thực tế nằm ngoài lý luận.”Mặc dù chúng ta chỉ có được trailer thử nghiệm, phim đã được chiếu tại Cannes nên chúng ta đã có những phản hồi từ các nhà phê bình. Có vẻ như trong suốt giờ đầu tiên của phim dài 2 giờ 40 phút này, các nhà phê bình đều bàn về một tình huống duy nhất, theo dõi cuộc đuổi sát con quái vật là trung tâm của phim. Trong khi đó, một số đã so sánh phim với Alien, Predator và ngay cả Attack on Titan, nhưng một số đã phê bình về chất lượng CGI tệ hại khi con quái vật xuất hiện, và IndieWire's David Ehrlich còn so sánh nó với The Mummy Returns, một trong những ví dụ nổi tiếng nhất về CGI xấu đến mức phá vỡ cốt truyện.Con quái vật chính đang bị che đậy trong các chiến dịch quảng cáo của Hope, và thực tế này có vẻ như làm ảnh hưởng đến điểm yếu lớn nhất của phim. | NEONBộ phim Hope có các xếp hạng trên Letterboxd rất bất đồng, nên không ai có thể đoán được phim sẽ đạt được điểm số như thế nào sau khi NEON đã mua quyền phân phối ở Hoa Kỳ cho phim trước khi nó chính thức được chiếu. Có thể rằng phim này sẽ trở thành bộ phim kỳ ảo kỳ quái tiếp theo, nằm cạnh những bộ phim kinh điển, hoặc có thể rằng điểm yếu này sẽ phá hỏng hoàn toàn sự tin tưởng của khán giả vào cốt truyện.Nhưng có lẽ có một lý do logic giải thích cho tình huống này, và đó chính là thời gian đóng phim quá áp lực. Đạo diễn Na Hong-jin cho biết Deadline rằng bộ phim được chiếu tại Cannes không phải là phiên bản cuối cùng. “Tôi nghĩ rằng tôi nên nhận được nhiều tiếng vỗ tay hơn… tôi cần phải cố gắng hơn”, ông nói. “Thật ra tôi không có đủ thời gian để hoàn thiện phim này cho Cannes. Vẫn còn nhiều công việc phải làm. Tôi chỉ hoàn thành âm thanh cho phim vào ngày trước khi đến đây.” Với thông tin này, việc phim này được chỉnh sửa thêm một lần nữa trong giai đoạn post-production là có thể giải quyết mọi vấn đề mà các nhà phê bình đã đưa ra. Nhưng ngay cả trong tình trạng hiện tại, một số nhà phê bình vẫn ca ngợi phim này là tương lai của thể loại này — và phim chỉ có thể trở nên tốt hơn thế nữa.Hope dự kiến ra mắt tại các rạp chiếu phim Hoa Kỳ vào mùa thu năm 2026.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

New Line Cinema(SeaPRwire) - Ý tưởng về một bộ phim mới của Vùng Đất Trung Quốc có thể thật hấp dẫn — nếu có đủ nội dung để mang lại một sự trở lại vào Thế Giới Giữa. Tuy nhiên, ngoài những phụ lục và từ điển của J.R.R. Tolkien ra, thì mỗi câu chuyện xứng đáng được kể đều đã được kể rồi. Điều đó đặt cho Tình Dục Gollum, bộ phim sắp chiếu nằm giữa các bộ tiền kịch The Hobbit của Peter Jackson và ba bộ phim gốc của Lord of the Rings, một thách thức đặc biệt. Có gì mới để nói về Gollum do Andy Serkis thủ vai hay sao? Chỉ là những thông tin vô tình được Tolkien cung cấp qua các chú thích và cốt truyện nhẹ nhàng? Vì sao chúng ta cần một bộ phim tập trung vào Gollum đến thế này và làm sao để nó hoạt động được?Peter Jackson, người trở lại với vai trò là sản xuất viên, đang suy ngẫm về tất cả những câu hỏi này khi Tình Dục Gollum bắt đầu được lên kế hoạch. Trong cuộc trò chuyện với IndieWire tại Lễ Hội Phim Cannes năm nay, họ đã chia sẻ vài góc nhìn về tầm quan trọng của bộ phim. “Vùng Đất Trung Quốc có những phụ lục to lớn ở cuối,” ông giải thích, “và một phần Tình Dục Gollum được đề cập trong đó. Kỳ đà của Gollum và cách anh trở thành con người như bây giờ. Anh đang cố gắng đến Shire và các Ranger đang đuổi theo anh. Cuối cùng, anh bị bắt và được đưa đến Mordor — tất cả đều nằm trong phụ lục.”Andy Serkis sẽ đảm nhận vai trò đạo diễn cho Tình Dục Gollum, một lựa chọn mà Jackson cho rằng sẽ khiến bộ phim trở nên thú vị hơn rất nhiều. “Tôi thực sự tin rằng nếu là một bộ phim về sự phụ thuộc và các mâu thuẫn nội tại của Gollum, thì Andy sẽ làm ra một bộ phim thú vị hơn rất nhiều so với tôi.”Tình Dục Gollum sẽ thay đổi cách tiếp cận với thương hiệu này từ góc nhìn của Gollum, như Joker đã làm đối với vai Joker. | Warner Bros. PicturesBộ phim Gollum của Serkis cũng sẽ lấy một trang quan trọng từ bộ phim điện ảnh gần đây: Joker của Todd Phillips. Jackson và đối tác, nhà văn Fran Walsh, đã xem bộ phim này — và “cách mà nó khám phá tâm lý của Joker trong khi kể một câu chuyện” — là một vì sao chỉ báo cho Gollum. Điều đó là điều hiển nhiên, khi nhóm Gollum đang đối mặt với tài liệu của Tolkien từ góc nhìn của nhân vật chính, không khác gì như Joker hoàn toàn thay đổi cách tiếp cận với thế giới Batman từ góc nhìn của Arthur Fleck (Joaquin Phoenix).“Chúng tôi có câu chuyện được đề cập trong phụ lục, và chúng tôi sẽ kể câu chuyện đó, nhưng chúng tôi sẽ kể nó từ góc nhìn nội tâm của Gollum,” Jackson nói. “Bạn đang dùng những điều viết bằng tay của Tolkien và chuyển thể chúng thành phim từ một góc nhìn cụ thể, và điều đó có nghĩa là bạn phải đi sâu vào tâm trí của anh ấy.”Nhiệm vụ đó sẽ dễ hơn nhiều đối với Serkis, người đã mấy năm nay đã khám phá sâu về các cảm xúc và động lực nội tâm của Gollum. Và hy vọng rằng góc nhìn độc đáo của ông sẽ mang lại cho chúng ta những hiểu biết mới về thế giới Middle-earth. Nó vẫn chưa hoàn toàn cần thiết để bổ sung vào vũ trụ này, nhưng nếu phải làm thì ít nhất Jackson, Serkis và các đồng nghiệp của họ đã cố gắng thay đổi cách tiếp cận.The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum ra mắt tại các rạp chiếu phim vào ngày 17 tháng 12 năm 2027.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

MGM-EMI Distributors(SeaPRwire) - Không ai làm một cái gì đó như Vincent Price. Bị bình luận viên ác liệt trong Theatre of Blood (1973) đưa tới suy sụp và dẫn đến nỗi muốn tự vẫn, nhân vật diễn viên này lại xuất hiện và hạ thủ chúng bằng cách tái hiện các kịch bản cô đơn và quyết liệt từ những câu chuyện Shakespearean mà họ đã phê bình các biểu hiện của anh ta. Bị thương sau một vụ cháy trường học do một nhà đầu tư thiếu niềm tin mong đợi để kiếm tiền từ thế mạng trong House of Wax (1953), nhân vật của anh — một nhà điêu khắc — giết người và đặt xác của ông ta vào một bức tượng bằng parafin mới. Sự tìm tòi nghiệm không tha thứ đã được đưa đến cực điểm đáng sợ và đáng kinh ngạc trong The Abominable Dr. Phibes (1971), được phát hành 55 năm trước, trong đó Price là một ca sĩ organ đang đau buồn vì quý bà của mình đã qua đời và ông ta quyết tâm tìm ra và loại bỏ các bác sĩ của mình, tin rằng sự kém cỏi của họ đã gây ra sự chết chóc cho cô ấy.Dr. Phibes đến từ PhD Thần học của ông ta, và ông ta sử dụng kiến thức Thánh Kinh rộng lớn của mình để dựa vào mỗi vụ giết người vào một Trận Đại Hạ của Ai Cập, được diễn tả ở đây với sự sáng tạo khéo léo. Những thủ công và các thiết bị được tạo ra với cảm hứng đều trở thành những cái thay thế cho những cái trừng phạt vạn đời: trong khi Chúa đã gửi một cơn đại bão đáng sợ để phá hủy các vụ trồng trọt của Ai Cập, Phibes lại thấy được sự tiềm năng trong các thảm họa do hạt đá băng gây ra, và Phibes đã đóng băng một trong các nạn nhân của mình đến chết. Chúa đã chuyển đổi toàn bộ nước của Ai Cập thành máu, và Phibes lại đã thu hẹp một bác sĩ không còn nợ gì của mình. Khoảnh khắc đáng sợ này cắt từ cái máu được rút ra của nạn nhân sang các ly lớn trên thành bàn của Phibes tới một cái gần gũi của mắt Phibes khi ông ta theo dõi mỗi cái mới này. Việc này tiếp tục cho tới khi có tám ly đầy máu, và khuôn mặt của nạn nhân đã thay đổi từ màu đỏ nhạt sang màu trắng ghê tởm.Thậm chí các vụ giết người làm điên đảo, những cái khác cũng đều là những cái hài hước. “Tôi là một bác sĩ tâm lý… một người thu hút các thứ,” cười một bác sĩ một bên trong một bữa tiệc đeo kính mắt vô tình, dẫn dắt tới cái hình ảnh của cái chết của ông ta. Một lát sau, Phibes tạo ra một cái Trận Đại Hạ về cái câu của cái ven cái, trang phục của người đàn ông làm từ một chiếc đầu cá heo cơ học từ từ co rút lại quanh đầu gối của ông ta. Thêm vào cái đáng sợ, đạo diễn Robert Fuest đã đưa chúng ta vào POV của nạn nhân đang bị nghẹt thở khi cái nhìn của ông ta đối với các người khác đang đeo kính mắt từ từ mờ dần, trước khi một cơn bùn đỏ đến và cái nhìn của ông ta bị che khuất bởi cái máu chảy đầm đìa. Mỗi cái chết này làm điên đảo — chúng thường được ngắt quãng bởi các khoảnh khắc của Phibes và cái trợ thủ trẻ của ông (Virginia North) khi hai người đưa tay nhau và xoay xoay quanh cái hang bí mật của Phibes khi một nhóm nhạc cụ robot đang chơi, các cái gián đoạn này thêm vào không khí của câu chuyện vô thực.Xây dựng nền tảng cho các cái quay quắt hơn của The Abominable Dr. Phibes là biểu diễn vật lý đáng kinh ngạc của Price. Sau khi bị thương trong một vụ tai nạn xe cộ trong đó ông ta cũng mất khả năng nói, cái gai của Phibes đang bị hạn chế là có thể thấy qua các cái động của cổ họng đang hung dữ. Một máy đã nói hết cho ông ta, nhưng cái buồn bã trong mắt ông ta đã được biểu hiện ngay cả dưới các lớp prosthetics. Khi ông ta đang nhìn một bác sĩ khác khi máy bay của ông ta đang lún xuống — sau khi đã đủ các con chuột — ông ta không thể thay đổi khuôn mặt của mình thành một nụ cười, nhưng cái động nhẹ của vai của ông ta đã thể hiện được cảm giác tự hào vô địch của ông ta.Một bữa tiệc khác đã xảy ra. | MGM-EMI DistributorsNhững cái điên cuồng này làm cái đầu, và Seven (1995) là cái đầu khác đã trở nên khô khan, và Seven là cái đầu khác đã trở nên rất đặc sắc, The Abominable Dr. Phibes là điểm đánh dấu cho cái đầu này khi nó đã dự đoán một loạt các vụ giết người được đặt ra trong các câu chuyện Thánh Kinh hơn hai mươi năm trước David Fincher làm một cái đầu kịch bản về cái tội ác. Với sự đa dạng của các cái thảm họa và thiết bị được sử dụng trong các vụ giết người, câu chuyện này được đặt làm tiền đề cho các thương hiệu đáng sợ Saw; đến khi kết thúc, Phibes đã đưa một bác sĩ vào trường học của ông ta để thực hành trên con trai của ông ta mà ông ta đang bất tỉnh. Nếu ông ta thất bại trong việc rút ra một cái chìa khóa được đặt gần tim của chàng trai, cái axit chậm rãi sẽ phá vỡ mặt của ông ta.Đây là một cảnh ác liệt được tái hiện trong cái đầu đầu tiên của Saw, trong đó một người nghiện (Shawnee Smith) có 60 giây để đâm ra một cái chìa khóa từ bụng của cái đồng học của ông ta mà ông ta đang ngủ và tự do, hoặc một cái thu hút được đính kèm với đầu ông ta sẽ phá vỡ khuôn mặt của ông ta. Price sẽ tiếp tục đóng lại vai Phibes trong cái đầu phụ, Dr. Phibes Rises Again (1972), nhưng ngay cả khi Phibes đang bị đố kỵ và chậm rãi đặt ra các trường học của cái tội ác và tránh né việc bị phát hiện, diễn viên đóng vai ông ta đã được xem là một cái đầu và được xem là một cái đầu về cái đầu đáng sợ.The Abominable Dr. Phibes có thể được tìm thấy trong Internet Archive.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Warner Bros. (SeaPRwire) - Theo đại diện cho một câu truyền miệng của Mark Twain: Nếu bạn không hiểu được một phim của Lana và Lily Wachowski, chỉ cần chờ đợi một thời gian. Kể từ bộ ba Matrix mang đậm dấu ấn của thế hệ đó, cặp anh chị em muội đến từ Chicago luôn không ngừng tạo ra những tác phẩm điện ảnh — nhiều trong số chúng được tài trợ bằng tiền từ Matrix — những tác phẩm tưởng chừng sẽ bị hiểu lầm trong thời đại đó và chỉ được nhận xét cao sau này. Và Speed Racer, hiện đang “chạy đua” với một cuộc cách mạng phục hồi 18 năm sau khi phim lần đầu tiên thất bại tại rạp chiếu phim, là minh chứng hoàn hảo cho hiện tượng này.Dựa trên anime cổ điển của thập niên 1960 và được khả thi nhờ những bước tiến của công nghệ hiệu ứng kỹ thuật số vào thập niên 2000, Speed Racer hướng đến một sự hòa hợp đa dạng, tái cách lại công viên phim kinh điển với một chuyến hành trình tri giác siêu hình sau triết lý phép biến đổi và một con khỉ chim mang tên Chim-Chim. Đây là tác phẩm nghệ thuật độc nhất, và không có gì trước đây hay sau này đã từng giống như nó. Nếu bạn vẫn còn cần thêm lý do để tin – đọc tiếp!Tại sao Speed Racer lại nhận được sự chấp nhận tồi tệ khi phát hành?Trong một từ, chính là tồi tệ. Mặc dù có những người đã hiểu ngay, nhưng đa số phê bình viên điện ảnh không hài lòng với bộ phim: Thậm chí những nhà phê bình đã nhận ra sự độc đáo và hướng đi tiên phong của tầm nhìn của đôi song sinh Wachowski cũng đã dùng những từ như “vượt quá khả năng tiếp thu” và “không thể xem được” để mô tả phim, đặc biệt là những cú đua xe trong phim. Trên chương trình The Colbert Report, Stephen Colbert đã mô tả phim như sau: “Đặt 80 cân hàng pháo hoa vào máy sấy công nghiệp, lăn thẳng vào trong đó, bật nguồn và sau đó làm nổ lửa. Bạn sẽ có cảm giác như đang tham gia vào một trận nổ hỗn loạn đầy ắp hiệu ứng thị giác.” Cả khán giả cũng không thể chịu đựng được trải nghiệm thị giác này và Speed Racer không thể đạt được thành công tại quầy vé.Đây là một tuần thảm thương cho những người theo đuổi Wachowski, mặc dù vẫn có một thực tế vui nhộn tạo nên một trò chơi tư duy điện ảnh tuyệt vời:Speed Racer được phát hành một tuần sau phiên bản ban đầu của Iron Man, và sự thất bại của nó đã giúp Jon Favreau’s phim — và toàn bộ MCU — lên đến vị trí nổi bật của mình ngày nay. Nhưng nếu hai sự kiện này đã hoàn toàn trùng lắp vào nhau, và Speed Racer trở thành một bộ phim thành công vang dội đã gieo sạ một loạt phim hậu truyện và một toàn bộ thế giới điện ảnh anime Showa-era? Nếu như các Wachowskis đã được phép lãnh đạo đường đường chính chuyển mình của công ty điện ảnh Hollywood vào năm 2008, thì điện ảnh Hollywood của hôm nay sẽ như thế nào?Vì sao Speed Racer lại quan trọng để xem ngay bây giờ?Thay vì phân vân quá nhiều về các “nếu”, nhưng các fan có thể yên tâm vì điện ảnh và các nhà phê bình điện ảnh cuối cùng cũng đã đi đến đúng con đường của Speed Racer. Trong vài năm qua, các nhà phê bình và những người yêu điện ảnh đã đi tìm lại bộ phim này, tạo nên một dòng chảy mạnh mẽ đã chuyển đổi sự đồng lõa với phim từ “tác phẩm điện ảnh bị hiểu lầm” sang “điện ảnh thần tượng”, và không chỉ là điện ảnh thần tượng, mà còn là điện ảnh anime live-action tốt nhất mọi thời đại.Và đây là một điều hoàn toàn hợp lý: Speed Racer không chỉ đơn thuần là tái tạo lại thể loại phim đua xe, hay phim dành cho trẻ em, hay phim kinh điển, mà còn là một sự tái tạo lại toàn diện của điện ảnh. Phim không cố gắng tái hiện sự thật, mà tạo ra một thế giới riêng với cỗ máy thị giác riêng — và đặc biệt, phim chúng ta đã tận hưởng sự giả tạo của tác phẩm hoạt hình 2D ban đầu, và chúng ta đã cố ý làm mờ hình ảnh để tạo nên một loạt các mặt phẳng chồng chéo. Các đoạn chuyển cảnh cũng như vậy, chồng chéo nhau, và tạo ra một loạt các hiệu ứng thị giác kỳ quái như những mảnh ghép kính cắt, chúng ta hiện có thể tiếp thu chúng dễ dàng hơn trong thời đại YouTube và trò chơi video HD.Nhưng phim điện ảnh không chỉ là một bài tập về phong cách. Câu chuyện, trong đó Speed Racer (Emile Hirsch) và gia đình của ông đấu tranh với một CEO xảo quyệt muốn kiểm soát môn thể thao đua xe, là một hàm nghĩa cho các Wachowski trong việc tạo ra nghệ thuật trong bối cảnh cạnh tranh cá nhân hóa của công ty điện ảnh, và giáo dục sự quan trọng của việc giữ vững sự độc lập sáng tạo trong khi áp lực cần phải được bù đắp. Giống như tất cả các tác phẩm điện ảnh của Wachowski, nó thực sự rất cá nhân nếu bạn có thể nhìn thấu lớp phủ đầy màu sắc của nó.Có những đặc điểm nào mới trong bản 4K UHD của Warner Bros.?Lớp phủ đầy màu sắc này làm cho Speed Racer là một bộ phim điện ảnh lý tưởng cho việc nâng cấp lên 4K, và phim sẽ có sẵn trên băng 4K UHD vào ngày 19/5 sau một vòng chạy IMAX giới hạn. Hiện tại, phản hồi từ các nhà phê bình cho thấy việc nâng cấp của Warner Bros. không hoàn hảo – tôi đã xem phim được tái tạo lần này tại IMAX, và một số chi tiết tinh tế vẫn chưa rõ ràng trên màn hình lớn – nhưng nói chung, bản 4K là rực rỡ và rõ ràng hơn rất nhiều và là những gì bạn mong đợi được tận hưởng từ một bản phát hành nâng cấp như thế này. Nó còn tốt hơn nhiều so với bản Blu-ray năm 2008, đặc biệt là với sự thêm vào mới của Dolby Atmos và lossless DTS-HD 5.1 Master Audio. Một điểm đáng chú ý khác là tên của các đạo diễn đã được nâng cấp cho bản tái tạo này: Họ giờ được khen danh là Lana và Lily Wachowski, thay vì các tên gọi trước đây.Bản 4K UHD mới của Warner Bros. — và đây là bản phi vùng, dành cho các nhà sưu tầm quốc tế — cũng bao gồm một vài tính năng đặc biệt, bao gồm cả các tài liệu dưới đây. Bạn có thể xem một đoạn clip (qua IGN) từ một trong số chúng ở trên.Các Tính Năng Đặc Biệt Trên Băng:4K:Speed Racer: Wonderful World of RacingThe Amazing Racer FamilyBD:Speed Racer: Ramping Up!-Spritle in the Big Leagues – Tour the Movie Set with Paulie LittSpeed Racer: Supercharged! – Meet the Drivers of the WRL; Explore the Film’s Incredible Cars and Unbelievable Racetracks Speed Racer: Car-Fu Cinema – A Behind-the-Scenes Look at the Revolutionary Moviemaking ProcessSpeed Racer sẽ có sẵn trên băng 4K UHD từ ngày 19/5. Amazon - Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Universal Pictures(SeaPRwire) - Ồ, tốt, lại một bản làm lại vô nghĩa khác đặt công nghệ hào nhoáng và cảnh tượng kinh phí lớn lên trên các nguyên tắc cơ bản của làm phim, và còn kéo dài hơn mức cần thiết nữa chứ. Phải thừa nhận rằng, các nhà phê bình và khán giả nói chung dường như thích nó, nhưng tại sao nó lại tồn tại khi Hollywood nên theo đuổi những ý tưởng độc đáo thay vì vậy? Ngay cả những nhà sáng tạo vĩ đại nhất của chúng ta cũng đang mắc kẹt trong lối mòn sao?Tất nhiên, chúng ta đang nói đến bộ phim The Man Who Knew Too Much của Alfred Hitchcock, ra rạp cách đây 70 năm vào ngày hôm nay với định dạng VistaVision lộng lẫy. Là một bản làm lại của bộ phim cùng tên năm 1934, bản gốc được đạo diễn bởi… Alfred Hitchcock, người cảm thấy rằng gần một phần tư thế kỷ kinh nghiệm và công nghệ mới sẽ cho phép ông cải thiện nỗ lực của mình. Phim đen trắng trở thành phim màu, 75 phút trở thành 120 phút, và Leslie Banks, Edna Best, cùng Peter Lorre được thay thế bằng Jimmy Stewart, Doris Day, và Bernard Miles.Cả hai bộ phim đều kể về một gia đình đi nghỉ mát vô tình bị cuốn vào một vụ mưu đồ quốc tế khi họ biết rằng một nhân vật chính trị quan trọng sắp bị ám sát, và con của họ bị bắt cóc để giữ im lặng. Không thể trình báo với chính quyền, những bậc cha mẹ tuyệt vọng phải tự mình làm sáng tỏ âm mưu để giành lại người thân yêu của mình.Trong khi một số tình tiết câu chuyện gần như giống hệt nhau, Hitchcock rõ ràng đang tận hưởng những lợi ích của VistaVision độ phân giải cao, màn ảnh rộng. Kỳ nghỉ ở Morocco của Tiến sĩ và Bà McKenna hoành tráng hơn nhiều so với cảnh mở đầu ở Thụy Sĩ của bản gốc, và trong khi cả hai bộ phim đều đặt cảnh ám sát tại Royal Albert Hall, thì chính quy mô hoành tráng của bản làm lại mới tạo cảm giác như một khuôn mẫu cho các cuộc đối đầu văn hóa cao cấp trong tương lai ở các bộ phim như Mission Impossible: Rogue Nation.Thời lượng kéo dài được sử dụng để mở rộng cuộc hôn nhân đầy sóng gió của các nhân vật chính, trong khi một cảnh quay kỳ lạ, hồi hộp khi Stewart truy đuổi một manh mối tiềm năng tại xưởng nhồi bông khiến bạn tự hỏi liệu anh ta đang trên bờ vực làm sáng tỏ một âm mưu lớn hay chỉ đơn giản là đang suy sụp. Và trong khi bản gốc kết thúc bằng một cuộc đấu súng nơi các anh hùng của chúng ta phần lớn biến mất khỏi câu chuyện, Stewart và Day phải tự mình nghĩ ra kế hoạch giải cứu. Nó chỉ đơn giản là một bộ phim mang tính nhân văn hơn; Stewart là một vị cứu tinh lo lắng và vụng về, trong khi Leslie Banks lại quá thờ ơ đến nỗi việc con mình bị bắt cóc dường như chỉ là một sự bất tiện nhỏ.Nhằm giúp thu hút khán giả trở lại rạp sau sự ra đời của truyền hình, VistaVision mang đến một quy mô hoành tráng. | Universal PicturesBộ phim gốc của Hitchcock cũng là một tác phẩm thú vị, và đáng xem chỉ riêng vì cảnh chiến đấu bằng ghế khó hiểu của nó, nhưng cốt truyện của nó quá lỏng lẻo đến nỗi nó giống như một tập hợp các cảnh quay hơn là một câu chuyện. Một số nhà phê bình hoài cổ năm 1956 cho rằng bản làm lại thiếu sự nhanh nhẹn và nhịp độ của bản gốc, và The New Yorker thậm chí còn ngụ ý rằng Hitchcock, người vẫn chưa làm Vertigo và Psycho, đã qua thời kỳ đỉnh cao. Nhưng mặc dù không phải không có những thiếu sót riêng, The Man Who Knew Too Much tỏa sáng với hai thập kỷ đổi mới trong cách kể chuyện và kỹ thuật điện ảnh, khiến nó giống như một bộ phim kinh dị hiện đại ban đầu hơn là một sự tò mò lịch sử.Thí nghiệm này giống như sự đảo ngược của nỗ lực tai tiếng của Gus van Sant khi làm lại Psycho gần như từng cảnh một, tạo ra một bản sao vô hồn của tài liệu gốc. Nhưng với người quản lý phù hợp, cùng một vài tình tiết cốt truyện có thể được làm cho trông và cảm thấy khác biệt hoàn toàn. Khi Lorre và Miles dạy những kẻ ám sát của họ khi nào nên bóp cò, lời thoại gần như giống hệt nhau nhưng cảm xúc mà chúng truyền tải lại khác biệt. Dễ dàng hình dung rằng Hitchcock có thể đã làm lại bộ phim mỗi thập kỷ và đưa ra một kết quả khác nhau mỗi lần.Chúng ta không thực sự tạo ra đột phá mới khi chỉ ra rằng Hitchcock này nói chung dường như biết mình đang làm gì, nhưng The Man Who Knew Too Much đặt ra câu hỏi thú vị liệu có đạo diễn hiện đại nào có thể thực hiện được thủ thuật tương tự hay không. Chúng ta đã tràn ngập những bản làm lại live-action cồng kềnh và các phần tiếp theo kế thừa chỉ lặp lại cốt truyện cũ. Tại sao không để Christopher Nolan thử sức lần thứ hai, với kinh phí lớn, với bộ phim độc lập đầu tay năm 1998 của mình là Following, hoặc xem Stephen Spielberg có thể làm gì với Duel nếu ông không phải lo lắng về việc làm cho nó nổi bật trên các bộ truyền hình năm 1971?Jimmy Stewart học được rằng không bao giờ nên bắt chuyện với người đàn ông lắm lời trên xe buýt. | Universal PicturesĐó là những kịch bản khó xảy ra, thậm chí có thể là ngớ ngẩn. Nhưng nếu chúng ta cứ tiếp tục làm lại phim – và chúng ta sẽ làm – thì chúng ta cũng nên nhận được điều gì đó từ trải nghiệm này ngoài những kết quả doanh thu phòng vé chấp nhận được cho các kế toán viên. Dù các bản chuyển thể live-action của Disney có vô hồn đến đâu, những tiến bộ công nghệ thực sự có xu hướng mang lại lợi ích cho việc làm phim. Bản chuyển thể năm 1925 của The Wizard of Oz rất hấp dẫn, nhưng ai dám khẳng định rằng bộ phim câm, đen trắng đó vượt trội hơn Judy Garland và phép màu của Technicolor? The Man Who Knew Too Much vẫn là một bộ phim kinh dị xuất sắc, nhưng nó cũng là cơ hội để chứng kiến hàng thập kỷ tiến bộ cá nhân và công nghiệp diễn ra chỉ trong hai giờ.Thật kỳ lạ, VistaVision, định dạng mà The Man Who Knew Too Much được trình chiếu một cách tự hào, đang trở lại sau khi phần lớn bị lỗi thời vào những năm 1960; The Brutalist đã được quay bằng nó, cũng như Wuthering Heights, One Battle After Another, và các bộ phim sắp tới như The Magician’s Nephew và Digger. Trong khi một số nhà phê bình đương đại bác bỏ việc Hitchcock sử dụng nó như một sự phân tâm lòe loẹt khỏi những phẩm chất chân thành hơn của bộ phim gốc, thì thời của nó đã đến một lần nữa. Có lẽ đã đến lúc để các đạo diễn được thỏa sức sáng tạo với những câu chuyện của riêng họ, cũng nên trở lại.The Man Who Knew Too Much (1956) có trên Prime Video. The Man Who Knew Too Much (1934) có trên Internet Archive.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.

Warner Bros(SeaPRwire) - Chúng ta cùng nghe xem. Tuyên bố này: Captain John Sheridan đã lâm vào thời gian. Vào năm 1996, trong vài tuần từ ngày 13 đến 20 tháng 5, Babylon 5 đã mang đến một chương trình phi hành đoàn khổng lồ nhất tận dụng khả năng du hí thời gian mà chương trình đã từng làm. Nhờ vậy, câu chuyện hai phần “War Without End” đã tạo ra một vòng lặp thời gian đóng để giải quyết câu hỏi về plot khiến fan luôn băn khoăn từ Mùa 1 và tạo ra những câu hỏi mới mẻ mà fan vẫn còn tranh luận cho đến ngày hôm nay. Ngoài ra, so với những chương trình du hí thời gian, “War Without End” đã đứng thứ hai trong top các chương trình khoa học viễn tưởng, còn có thể nói rằng nó là tốt hơn cả những câu chuyện du hí thời gian cụ thể trong các series và franchises khác. Tôi có nói rằng “War Without End” có thể sánh ngang được với chương trình du hí thời gian năm 1990 “Yesterday’s Enterprise” của Star Trek: The Next Generation? Có, nó đủ để so sánh. Ngoài ra, theo cấu trúc và cũng như những căng thẳng, “War Without End” còn đứng trên các chương trình “Little Green Men” của Deep Space Nine và “Future’s End” của Voyager, hai câu chuyện du hí thời gian của Star Trek đã phát sóng cùng năm.Với “War Without End”, Babylon 5 đã mang đến một chương trình đã điền đầy đủ những câu hỏi quá khứ, khiến hiện tại ngày càng căng thẳng và đưa ra những mối băn khoăn đáng kinh ngạc cho tương lai. Ngoài ra, toàn bộ điều đó đã được sửa lại một cách kỳ lân khi chương trình đã trải qua từ Mùa 2.Những chi tiết phim sẽ bị lộ.Phát sóng trong cuối cùng của Mùa 3, “War Without End” thực sự biểu lộ một thời kì vàng của Babylon 5. Sheridan và các đồng chí đã đeo đồng phục đen mỏng sau khi “Severed Dreams” đã chỉ ra rằng trip hiện tại không còn là bí mật nữa vì họ đã độc lập với Trái Đất, và do đó, họ không cần giấu diếm những công việc hay ho với những Shadow. Với sự dùng từ không tuần hoàn, nhiều câu chuyện liên quan đến cuộc chiến với Trái Đất đều giống như Andor. Nhưng khi trip đến với Shadow, nó sẽ trở thành Lord of the Rings gặp Doctor Who. Chính xác, đây là cách mà tại sao “War Without End” là tuyệt vời. Một cách tóm lược, chương trình bắt đầu với hai mục tiêu, một mục tiêu phụ thuộc vào metatextual và một mục tiêu thực tế. Đại đốc Jeffrey Sinclair (Michael O’Hare) quay trở lại và cùng với Sheridan (Bruce Boxleitner), Ivanova (Claudia Christian), Delenn (Mira Furlan) và Marcus (Jason Carter) lên xe White Star để đưa về quá khứ với mục tiêu cướp Babylon 4 vào năm 2254, và sau đó, đưa nó về thời điểm trước đó khoảng 1000 năm để sử dụng như một trụ sở của Minbari trong cuộc chiến đầu tiên của họ với Shadow. Thêm vào đó, Sinclair đã đến Babylon 4 trong Mùa 1, vào chương trình “Babylon Squared”, đã chỉ ra rằng vì lý do không xác định, vì thế, vị trí địa lý của tàu vũ trụ này đã đứng yên. Chương trình này kết thúc với một cảnh tượng một Sinclair lớn tuổi đeo áo khoác không khí với vết sẹo, lo lắng rằng lịch sử đã lặp lại.Đây là lý do về câu hỏi lớn nhất trong Mùa 1 của Babylon 5 cuối cùng đã có thể giải đáp vào Mùa 3. | Warner Bros.Vì thế, với cái tên “War Without End”, tất cả câu hỏi từ Mùa 1 đã được giải đáp và đã tạo ra một câu chuyện phía sau về Army of Light của hiện tại vào năm 2260. Nếu bạn chưa xem chương trình, thì chi tiết lớn nhất để phá vỡ bí mật là chân truyền của Sinclair, và đó là một vòng lặp khổng lồ được chỉ ra từ cảnh đầu tiên của chương trình.Điều phụ thuộc vào metatextual là, trên thực tế, thay thế Sinclair với Sheridan và đưa Sinclair trở thành đứng đầu của Rangers trên Minbar không chính là ý định ban đầu của series creator J. Michael Straczynski. Bởi vì O’Hare đã rời đi khỏi chương trình vì những lý do về sức khỏe tinh thần (và hiện tại, vẫn chưa được công bố), Boxleitner đã thay thế nhân vật này trở thành Sheridan vào Mùa 2. Tuy nhiên, nếu bạn xem Mùa 1, có vẻ như rõ ràng là nhân vật của Sinclair có thể trở thành con đường của Sheridan và ngược lại. Trong cuốn sách Babylon 5 năm 1998 Point of No Return của tác giả Jane Killick, Killick đã suy đoán rằng Straczynski “không muốn nói, tuy nhiên, cách mà anh ta sẽ kể câu chuyện này với Sheridan.” Phản hồi của Straczynski vào lúc đó là: “Tất cả những gì tôi có thể nói là, nếu Sinclair vẫn đứng trên, một nhân vật như Sheridan, hoặc Sheridan trong một môi trường khác, sẽ phải đến câu chuyện này vào thời điểm này.” Câu hỏi phụ thuộc vào metatextual ở đây chỉ đơn thuần là ý nghĩa của việc Sinclair đang đi đến một con đường mà anh ấy sẽ không còn ở hiện tại (đây là một chi tiết nhỏ để phá vỡ bí mật; lý do vì sao là một chi tiết lớn để phá vỡ bí mật). Và vì thế, nếu anh ấy vẫn đứng làm nhân vật chính trong Mùa 2, thì đến Mùa 3, nhân vật chính của series sẽ biến mất. Sheridan và một phiên bản tương lai của Delenn trong “War Without End Part II.” | Warner BrosNhưng trong thời gian thực tế, tất cả đều không đúng. Đến Mùa 3, khán giả đã quen với Sheridan là nhân vật chính của Babylon 5, và khi anh ấy đi trên một chuyến hành trình như Vonnegut, anh ấy đã nhìn thấy sự kiện sẽ không có thể hiểu được cho đến Mùa 5, và thậm chí, vẫn còn một số mối băn khoăn chưa được giải đáp. Vào năm 1998, một chương trình DC comics có tên In Valen’s Name đã kể về phần thứ ba của chuyến du hí thời gian bắt đầu với “Babylon Squared.” Tóm lược, trong Mùa 1, chúng ta không biết tại sao Babylon 4 đã thay thế Babylon 5, vào Mùa 3, chúng ta tìm ra vị trí và khi Babylon 4 đã đến, và với In Valen’s Name, chúng ta đã biết điều gì đã xảy ra khi Babylon 4 đã quay trở lại hiện tại. Tất cả điều này có thể khiến bạn cho rằng “War Without End” là một chương trình phức tạp, nhưng điều đáng nói là, mặc dù nó sâu vào B5 canon weeds, nhưng nó là một trong những chương trình tốt nhất để xem nếu bạn quan tâm đến chương trình này. Những căng thẳng rất cao, vòng lặp du hí thời gian rất tuyệt vời, và nhân vật, vào thời điểm này, đã không bao giờ tốt hơn nữa. “War Without End” cũng đã thiết lập cho Babylon 5 Mùa 3 với cuộc kết thúc lớn nhất của toàn bộ chương trình, đó là “Z'Ha'Dum” kinh điển. Nhưng, nếu có một và chỉ một câu chuyện Babylon 5 mà một người phải lựa chọn để giải thích toàn bộ series cho một người mới bắt đầu, thì đó chính là câu chuyện này. Babylon 5 hiện tại không có trên bất kỳ dịch vụ nào với một cuộc hỗ trợ nào đó tại thời điểm viết bài này. Bạn có thể mua các chương trình trên Prime Video, Apple TV và những nơi khác.Bài viết được cung cấp bởi nhà cung cấp nội dung bên thứ ba. SeaPRwire (https://www.seaprwire.com/) không đưa ra bảo đảm hoặc tuyên bố liên quan đến điều đó. Lĩnh vực: Tin nổi bật, Tin tức hàng ngày SeaPRwire cung cấp phát hành thông cáo báo chí thời gian thực cho các công ty và tổ chức, tiếp cận hơn 6.500 cửa hàng truyền thông, 86.000 biên tập viên và nhà báo, và 3,5 triệu máy tính để bàn chuyên nghiệp tại 90 quốc gia. SeaPRwire hỗ trợ phân phối thông cáo báo chí bằng tiếng Anh, tiếng Hàn, tiếng Nhật, tiếng Ả Rập, tiếng Trung Giản thể, tiếng Trung Truyền thống, tiếng Việt, tiếng Thái, tiếng Indonesia, tiếng Mã Lai, tiếng Đức, tiếng Nga, tiếng Pháp, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Bồ Đào Nha và các ngôn ngữ khác.